집 수리하다 현대적인 인테리어 그림. 와서 보고 샀어요 – 내부 벽화와 선택 방법

수리하다

현대적인 인테리어 그림. 와서 보고 샀어요 – 내부 벽화와 선택 방법

직관과 취향에 의지하여 공간을 느껴보세요. 일반적으로 여러 장의 그림을 배치할 때는 직사광선이 가장 적은 벽에 배치합니다. 대칭 구성은 균형이 특징이며 여기에서는 모든 것이 간단합니다.

그림을 비대칭으로 배치할 때 먼저 바닥에 구성을 만든 다음 그 구성을 벽에 옮겨 실험해 볼 수 있습니다.

같은 크기의 작품 6~8개를 동일한 프레임에 2열로 가깝게 배치하여 연속 격자가 매달리는 원리를 활용할 수 있습니다.

어떤 그림이든 가장 좋은 배경은 평범한 벽입니다. 밝고 채도가 높은 색상의 벽은 그 자체로 주목을 끌며 다양한 색상으로 인해 그림이 길을 잃을 수 있습니다. 그림이 벽과 색상이 섞이면 대비되는 바게트나 매트를 사용하세요.

자연광과 인공 조명 모두를 고려하는 것이 중요합니다. 무대에서도 잘해 수리 작업좁은 구멍, 벽감 또는 조명이 부족한 곳에 조명등을 설치할 계획을 세우십시오.

그림, 또는 그 안에 묘사된 내용은 사람의 정신-정서적 상태에 강력한 영향을 미칩니다. 따라서 실내 장식을 선택할 때는 먼저 원하는 효과를 결정해야 합니다.

Lanskoy 쇼핑 센터(섹션 A25) 주소: St. Petersburg, Studencheskaya, 10에 위치한 Aurora Interiors 살롱의 그림 예를 사용하여 그림 선택의 몇 가지 측면에 대해 이야기해 보겠습니다.

시골의 짧은 서사시, 목가적인 풍경, 풍경이 눈의 긴장을 풀어준다는 사실을 입증하는 많은 연구가 있습니다. 예를 들어 사무실이나 운동(체육관)실 등 긴장감이 최대인 장소에 걸어 두는 것이 좋습니다. 또한, 시골 풍경은 벽에 아무것도 걸지 않은 경우에 비해 자존감을 최대 20%까지 높여준다는 사실이 입증되었습니다.

집중이 필요하다면, 고급스러운 풍경과 이미지를 자유롭게 걸어보세요. 자연미. 이런 목적을 위해서는 인간 존재의 흔적이 없는 이미지가 더 잘 작동한다고 합니다. 그러나 작은 나무 발판이나 호수 위의 배 역시 긍정적으로 인식된다.

혼돈의 장면, 파괴된 집, 녹으로 뒤덮인 자동차 등이 관찰자들 사이에서 공격성을 유발할 것이라는 것이 일반적으로 인정되지만 이는 전적으로 사실이 아닙니다. 모든 것은 그 사람의 성격에 달려 있다는 것이 밝혀졌습니다. 세상과 새로운 경험에 열려 있는 외향적인 사람은 그 그림에 묘사된 주제가 그리 즐겁지 않더라도 그러한 그림을 좋아할 수 있습니다. 내향적인 사람들은 Marianna Verevkina의 정신으로 표현주의 그림을 훨씬 더 좋아할 것이며, 이는 그들을 편안한 내면 세계로 되돌려 줄 것입니다.

"채석장 굴삭기", 예술. V.P. 야킨 (1972)

기하학적 디자인은 자신의 삶을 계획하려는 합리주의자들에게 적합한 반면, "미친 예술가"의 이해할 수 없는 상상의 비행은 오히려 짜증을 유발할 수 있습니다. 합리주의자들은 고전, 풍경화, 정물화, 즉 산성색이 없는 그림에도 깊은 인상을 받습니다.

인테리어 디자인의 또 다른 유행 트렌드는 미국에서 온 레터링입니다. 이것은 동기 부여 인용문입니다. 긍정적인 확언이 담긴 포스터는 예민한 사람들이 마음을 진정시키고 용기를 얻는 데 도움이 될 것입니다.

캐릭터와 어울리는 것 외에도 화보 스타일, 색상, 크기는 물론 배치와 조명도 중요합니다. 그림을 잘 선택하면 그림이 없으면 내부가 무너지고 공간에서의 상호 작용이 사라지고 그림뿐만 아니라 부조와 옅은 부조, 조각, 태피스트리, 거울 패널 및 스테인드 글라스도 연결 기능을 수행할 수 있습니다. 이 장식은 벽을 장식할 때가 되는 마지막 부분이 아니라 인테리어를 만드는 과정에서 나타나는 것이 매우 중요합니다.

내부의 모든 그림은 내부에서 눈에 띄는 역할을 하는 또 다른 활성 색상 반점입니다. 그림의 색상 팔레트가 방 주변 환경과 일치하는 것이 중요합니다. 또한 특정 색상이 귀하의 신체에 어떤 영향을 미치는지 들어보는 것이 좋습니다. 심리적 상태. 따라서 색상은 인상파와 추상화파의 작품, 미니멀리스트 비구상 작품에서 매우 중요한 역할을 합니다.

전문가들은 그림 주위에 인테리어를 건축할 것을 권고하며 그 반대의 경우는 권장하지 않습니다. 그림을 이미 구입했고 기반으로 삼을 것이 있으면 좋습니다. 전체 컬렉션의 소유자라면 미리 구성을 계획하고 일부는 액센트로, 일부는 배경으로 만들어야 합니다. 마지막 세부 사항까지 계획하고, 색상, 구성, 빛이 어떻게 떨어지는지에 대해 생각하십시오. 이 모든 작은 것들은 예술 작품의 아름다움을 강조하는 데 도움이 될 것입니다.

골동품이라면 전문가가 아닌 사람이 그림을 평가하는 것은 꽤 어렵습니다. 그러나 주요 가격 책정 요소가 무엇인지 알아 내려고합시다. 먼저 작가에 대해 알아보고 작품의 맥락을 이해해야 합니다. 예술 분야에서는 작가의 인기, 기술 및 창작 활동에 대한 전체 지표가 평가에 반영되며 이는 그림 비용에도 영향을 미칩니다. 작업을 수행하는 기술은 매우 중요하며 가장 접근하기 쉬운 유형은 사진, 제작 그래픽, 간단한 그래픽, 회화, 조각, 설치 순으로 진행됩니다. 유명 예술가의 그림을 구입하는 데 드는 예산이 충분하지 않다면 동시대 사람들에게 주목하세요. 그들 중에는 미래의 스타도 있습니다.

예술가 R.A.의 자화상 프리드먼

전시회나 골동품 가게에서 충동구매를 할 때, 우리는 거의 항상 “좋아요!”라는 마음의 외침에 이끌립니다. 그러나 짧은 시간 동안 작품을 관찰하는 것과는 별개로, 그 동안에는 그 색의 영향력을 느끼기 어렵다. 매일의 접촉은 완전히 다릅니다. 어쨌든 즐거운 쇼핑과 장식 되세요!

지식 기반에서 좋은 작업을 보내는 것은 간단합니다. 아래 양식을 사용하세요

연구와 업무에 지식 기반을 활용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.

게시 날짜 http://www.allbest.ru/

내부 장식 그림

소개

1.5 선택의 목적과 근거

1.6 건물에 대한 간략한 설명

2장. 특별편. 장식 패널

2.1 설계 솔루션의 프로젝트 및 정당성

2.1.1 플롯 장식 패널

2.1.2 형식 선택

2.1.3 장식 그림의 구성

2.1.4 컬러 솔루션

2.2 실제 작업에 사용되는 기술 및 재료

2.2.1 장식 패널의 기초

2.2.2 착색재료

2.2.3 브러쉬

2.3 실제 부분 완성

제3장 경제적인 부분

제4장 산업안전보건

4.1 산업안전 및 노동법

4.2 업무 설명서아티스트

4.3 예술가를 위한 노동안전 지침

결론

서지

일러스트 목록

애플리케이션

소개

이 연구 주제의 선택은 현대적인 인테리어 디자인에 대한 장식 그림의 관련성 때문입니다.

현대적인 인테리어 디자인은 그림, 조각, 사진 등 예술 작품 없이는 상상할 수 없습니다. 회화는 방의 내부 공간을 정리하는 중요한 역할을 하며 장식적인 역할을 할 뿐만 아니라 시각적 인식을 변화시키고 실내 공간을 풍요롭게 하며 독특한 스타일을 형성합니다.

독특하고 개성 있는 인테리어는 항상 높이 평가되어 왔습니다. 이러한 인테리어는 예술 작품과 동일하며 개별적이며 이러한 개성은 여러 기능, 바닥 및 천장 마감, 실내에 설치된 가구 및 장식에 의해 결정됩니다.

전문 디자이너들이 자주 언급하는 주제 스스로 만든- 그런 것들이 인테리어를 개성있게 만들어줍니다. 이러한 장식 요소는 사람의 관심 사항에 따라 만들어진 장식 패널입니다. 공간을 풍부하게 하고 인테리어 디자인에 필요한 강조점을 둘 수 있습니다. 패널은 고객의 희망사항과 공간의 형태에 따라 어떤 인테리어나 규모에도 맞게 제작할 수 있습니다.

패널(라틴어 pannus - 직물 조각)은 일반적으로 벽의 일부 부분을 영구적으로 채우도록 고안된 장식적인 성격의 그림 작품입니다. 벽 패널) 또는 천장(천장). 장식 패널은 내부의 독립적인 요소로 만들거나 방의 상당 부분을 차지할 수 있습니다.

장식 패널은 다양한 재료를 사용하여 벽이나 캔버스에 만든 그림입니다. 장식 효과. 장식 패널은 내부 장식 요소의 형태로 독립적인 요소로 만들어지거나, 벽과 천장이 상호 연결된 플롯을 나타낼 때 방의 상당 부분을 차지합니다.

캔버스로 만든 장식 패널은 생활 공간을 장식하는 옵션 중 하나입니다. 기본적으로 사람을 무관심하게 만들지 않고 사람의 이익에 해당하는 줄거리 구성을 취할 수 있습니다. 기술과 색 구성표를 성공적으로 선택하면 사람의 마음 상태를 쉽게 개선할 수 있습니다. 아크릴 물감으로 캔버스에 그린 그림은 세련되고 특이해 보입니다. 아크릴은 고상한 광택, 특별한 색조, 환상적인 패턴으로 시선을 사로잡는 능력을 가지고 있습니다.

목적 명제패션 트렌드를 고려하고 쿠엔틴 타란티노(Quentin Tarantino)의 영화 "Deathproof"의 줄거리를 바탕으로 장식 패널 형태로 실용적인 작업을 수행하는 인테리어 장식 그림(기술)을 연구합니다.

연구 주제는 현대적인 인테리어를 위한 장식 패널 프로젝트를 개발하는 과정입니다.

본 연구의 이론적 의의는 향후 디자인과 예술 활동에 활용될 지식의 풍부함과 보충에 있다.

실용적인 의미는 지식을 적용하여 장식 패널의 예비 디자인을 만들고 이를 재료로 변환하는 것입니다.

논문을 작성하는 동안 다음과 같은 작업이 설정되었습니다.

1. 이 주제에 관한 정보를 수집하고 분석합니다.

2. 기념비적인 장식 예술 발전의 역사를 연구합니다.

3. 장식미술의 기법과 특징에 대해 알아봅니다.

4. 논문 주제에 직접적으로 아크릴 물감을 사용하여 작업하는 기술, 방법 및 수단을 연구합니다.

5. 장식 그림이 실내에 대한 사람의 감각적 인식에 미치는 영향을 연구합니다.

6. 장식 그림의 구성과 색상의 특징을 연구합니다.

7. 장식 패널의 예비 디자인을 개발합니다.

8. 프로젝트를 자료로 구현하십시오.

논문은 여러 단계로 수행되었습니다.

1. 주제에 대한 자세한 연구 및 정보 분석

2. 스케치 및 초안 옵션 개발

3. 논문의 이론적 부분 작성;

4. 재료로 프로젝트를 구현합니다.

디플로마 프로젝트의 구조:

1. 이론적 부분(장식 및 기념비적 예술 발전의 역사, 장식 그림 및 그래픽 기술, 사무실 휴게실 장식)

2. 특별 부분(설계 솔루션, 기술 및 재료의 정당성, 작업 진행)

3. 경제적 부분 (작업 완료 비용, 장식 패널 비용 결정)

4. 산업안전보건(산업안전, 노동법, 예술가 직무기술서)

5. 실용적인 부분(스케치, 완성된 장식 패널)

1장. 주요 부분. 내부 장식 그림

"장식 예술"이라는 용어는 라틴어 "장식" - "나는 장식하다"에서 유래되었으며 플라스틱 예술을 의미합니다. 장식 예술에서는 밀접하게 짜여져 있습니다. 기와개별 개체나 건축 장식을 만들기 위해 다양한 유형의 장비가 사용됩니다. 장식 예술 작품의 장식은 실용적인 목적과 미학적 목적의 조합으로 구성됩니다.

조형예술은 공간예술이라고도 불린다. 시간에 따라 변하지 않고 공간에 존재하는 이러한 유형의 시각 예술은 사람을 둘러싼 물질적 대상-공간 환경을 형성하여 비유적이고 미학적 원리를 도입하도록 요구됩니다.

플라스틱 예술은 두 가지 범주로 나뉩니다.

1. 미술. 여기에는 회화, 조각, 그래픽, 사진이 포함됩니다.

2. 건축, 장식 및 응용 예술(민속 예술 및 디자인).

장식 예술은 가정 용품을 만드는 예술로, 그 목적은 사람들의 실용적이고 예술적인 미적 요구를 충족시키는 것입니다. 장식 예술 작품의 미적 특성은 외관, 즉 작품이 만들어지는 재료와 제조 기술에 따라 결정됩니다.

장식마감, 외장 및 내장 도장용 많은 분량영상미디어. 장식 패널과 조각상은 건축 앙상블의 일부이자 독립적인 예술 작품으로 간주될 수 있습니다. 오브제 세계의 미적 특성을 향상시키기 위한 디자인의 발전으로 인해 장식 및 응용 예술의 생산은 점차 작은 시리즈나 심지어 개별 작품의 창작으로 제한되어 이러한 작품을 엘리트화되고 독점적으로 만듭니다.

장식 예술은 건축 및 디자인과 밀접한 관련이 있습니다. 장식 예술의 개념은 다음과 같습니다.

1. 기념비적-장식 예술. 이는 건축 구조 및 인접 지역의 장식 역할을 하는 대형 예술 작품입니다. 즉, 스테인드 글라스 창문, 모자이크, 그림, 부조: 정면 및 내부; 장식적인 원예와 기념비적인 조각품;

2. 장식 및 응용 예술. 인간의 삶을 장식하는 예술작품을 생산하는 것입니다. 여기에는 접시, 가구, 직물, 의류, 보석, 장난감, 가전 제품 등이 포함됩니다.

3. 디자인 아트. 이는 정보가 변경되는 임시 또는 영구적 성격의 작업입니다. 공공 행사를 장식하거나 정보를 제공하는 역할을 합니다. 여기에는 거리, 광장, 시위 산업 지역의 축제 장식, 민속 축제, 체육 공연 및 퍼레이드뿐만 아니라 상점 창문 디자인, 다양한 종류의 박람회, 정보 시트 및 포스터가 포함됩니다.

따라서 장식 예술 작품은 항상 의도된 환경과 연관되어 있습니다. 장식 예술은 총체적이고 미학적 표현이 풍부한 이미지로 아름다운 사물과 기념비적인 작품을 창조하는 것을 목표로 합니다.

장식은 주요 요소 중 하나입니다. 예술적 수단기념비적 인 장식 예술 작품. 이는 또한 이젤과 장식 및 응용 미술 작품에 내재되어 있으며 건축과 상호 작용하고 예술적 앙상블을 형성합니다.

장식성은 시대의 징후뿐만 아니라 사회적 아이디어, 문화, 기술 및 패션 트렌드도 담고 있습니다. 미술품과 같이 기념비적이고 장식적인 창의성을 지닌 물건은 미학적 목적만 가질 수 있으며 실용적인 부담을 지닐 수는 없습니다. 그들의 목적은 건축 또는 그래픽 요소로 인테리어를 풍부하게 하고 장식적인 악센트를 만드는 것입니다. 장식 그림 패널 아티스트

기념비적-장식 예술은 전체적으로 장식 예술의 구성 요소 중 하나입니다. 건축과 주변공간이 결합된 조형공간예술로 사상적으로 완성된 대형 작품을 포함한다. 기념비적이고 장식적인 예술품에는 다음과 같은 작품이 포함됩니다.

1. 기념비적 조각품은 미술의 일종으로, 그 작품은 건축 환경과 밀접하게 관련되어 있으며 위대한 역사적 사건이나 인물에게 헌정됩니다. 기념비적 조각의 특징은 규모가 크고 건축 및 공간 환경과의 통일성입니다. 기념비적 조각품은 기념물, 기념관, 기념비, 비석, 오벨리스크, 주둥이 기둥, 개선문, 기둥 및 성문의 형태로 수행됩니다. 놀라운 예 Peter I 기념비는 이탈리아 조각가 Carl Rastrelli가 만든 상트 페테르부르크의 Mikhailovsky 성 앞의 청동 승마 기념물 인 기념비적 인 조각품입니다.

2. 기념비적-장식 조각품. 건물의 정면과 내부를 장식하는 데 사용되며 조경 정원 앙상블의 요소가 될 수도 있습니다. 장식 조각은 건물 건축 구조의 지지 요소 역할을 합니다. 예를 들어 아틀라스는 처마 장식이나 발코니를 지지하고, 카리아티드는 건물의 들보와 원형을 지지하는 여성 인물입니다. 내부를 장식하는 데는 수많은 종류의 기념비적 장식 조각품(arcotery, biga, canephora, Capital, mascaron, metope, pandative, plafond, Portal, rosette, frieze 및 pediment)이 사용됩니다. 예: Great Tsarskoye Selo Palace를 장식하는 아틀라스 그림.

3. 기념비적 및 기념비적 - 장식 그림은 건축 구조에 그림을 그리는 것으로, 특징적인 특징은 거대한 크기와 건축 표면에 대한 부착입니다. 기념비적 그림의 주요 유형: 프레스코, 세코, 모자이크, 스테인드 글라스, 장식 그림 및 장식 패널. 기념비적인 그림의 예로는 피렌체 예술가 그룹(Botticelli, Perugino, Ghirlandaio 및 Cosimo Rosselli)이 만든 시스틴 예배당의 프레스코화가 있습니다.

기념비적이고 장식적인 그림은 건축 구조나 응용 예술 작품과 밀접한 관련이 있습니다. 첫 번째 경우, 그러한 그림은 그 크기와 기념비적 성격을 지닌 건축과의 긴밀한 연결 강도로 인해 기념비적 그림이라고도 불립니다.

기념비적이고 장식적인 그림에는 다음이 포함됩니다.

1. 프레스코는 기념비적 그림의 고대 기법으로, 그 특징은 젖은 바닥에 수용성 페인트로 디자인을 적용하는 것입니다. 프레스코화의 기본은 소석회와 모래가 섞인 게소 또는 석고입니다. 프레스코 페인트는 일반 물에 희석된 천연 색소입니다. 베이스가 건조된 후, 젖은 석고에 도포된 페인트는 그것과 하나가 되며, 건조된 석회 표면에 투명한 칼슘 필름이 형성되어 수세기 동안 그림을 보호합니다.

2. 모자이크는 작품을 만드는 기념비적이고 장식적이며 응용 예술이며, 벽 표면에 다색 세라믹 타일, 스몰트 및 기타 재료를 설정, 배열 및 고정하여 생성됩니다. 항상 모자이크의 인기는 내구성과 내열성, 내충격성 및 내수성과 같은 특수한 특성 때문입니다. 모자이크의 장기 보존은 그것이 생성된 재료인 돌, 스몰트 및 도자기에 의해 보장됩니다. 그들은 변하지 않고 수년 동안 색상을 유지합니다. 예는 수메르 "표준의 앞면"입니다. Ur” 상자.

3. 장식 그림은 인테리어 장식에 널리 사용되는 일종의 기념비적 그림으로 건축과 밀접하게 관련된 기념비적 구성을 만듭니다. 천장, 벽, 아치는 동일한 스타일로 칠해집니다. 벽화는 건축 구조물의 석고 표면에 직접 오일, 아크릴 또는 템페라 페인트를 사용하여 수행됩니다.

4. 장식판넬 - 캔버스에 회화판을 제작하여 다양한 장식효과를 이용하여 벽이나 천장에 고정하는 판넬입니다. 장식 패널은 다음과 같이 만들 수 있습니다. 장식 삽입물내부에 있거나 방의 상당 부분을 차지합니다.

5. 스테인드 글라스는 건축 구조의 창 개구부를 채우는 데 사용되는 착색 및 칠해진 유리 또는 기타 광 투과 재료로 만든 기념비적 예술 작품입니다. 현대적인 스테인드 글라스 창문 사용 부싯돌 유리, 주조 유리, 두꺼운 분쇄 유리 (주조 유리와 압축 유리에는 모든 종류의 질감과 투명도가 부여됨), 다양한 색상의 유리 및 거울. 스테인드 글라스에는 에칭, 페인팅, 샌드블라스팅 등 다양한 유형의 유리 가공이 있습니다. 대표적인 예가 영국 캔터베리 대성당의 스테인드글라스다.

6. Sgraffito는 단색 또는 다색 장식 벽화로, 여러 층의 석고를 점진적으로 적용하는 기술입니다. 건조 후 겉면을 긁거나 부분을 완전히 제거하여 디자인이나 패턴을 만듭니다.

기념비적인 그림 작업은 체적 공간적 또는 평면적 장식 방식으로 이루어집니다. 그것들은 건축 앙상블의 지배적인 특징이 될 수도 있고 단지 표면만을 장식할 수도 있습니다.

1.2 장식화의 역사

기념비적인 그림은 회화 예술의 일반적인 발전에서 매우 중요합니다. 왜냐하면 우리에게 알려진 최초의 그림 작품은 지구상 최초의 사람들의 주거지 벽(“동굴 그림”)에 나타났기 때문입니다.

장식 그림 개발의 역사는 수천년 전으로 거슬러 올라갑니다. 가장 오래된 예는 동굴 벽에 그려진 동물의 동굴 이미지입니다. 정확한 시간이러한 이미지의 적용은 알려져 있지 않지만 과학자들은 이를 소위 Old Stone 시대라고 불리는 구석기 시대의 것으로 간주합니다. 형상은 부조의 형태로 제작되거나 날카로운 도구로 긁어내어 제작되었으며, 지방이나 골수를 혼합한 두 가지 물감으로 이루어진 황토, 흑색 그을음, 갈색 등을 도포하기도 하였다. 초식 동물과 육식 동물의 이러한 다소 사실적인 이미지는 이미 완전히 그림이라고 할 수 있습니다.

이러한 이미지는 종종 어두운 구석, 천장에 배치됩니다. 그러한 장소에서는 동굴을 장식하기 위해 이미지를 만든 것이 아니라 종교적이거나 마법적인 부적으로 이미지를 만드는 것이 어렵고 때로는 불가능했습니다. 그들은 부족 조상의 토템이거나 사냥꾼의 먹이로 그려진 동물을 끌어들여야 합니다. 그림은 사냥 직전에 의식으로 적용되었습니다. 이 의식을 수행하면 사냥이 성공할 것이라고 믿었습니다.

고대 이집트 무덤 그림은 음악적 리듬과 구도의 명확성, 선의 정교함으로 인해 특히 높은 완성도(일상 장면과 전투 장면을 포함한 사후 세계 그림, 동물 이미지)에 도달했습니다. 이집트의 장식 그림은 더욱 발전되고 완성된 모습을 가지고 있습니다. 이 이미지는 장식이 아니라 장례식의 일부였습니다. 매장 후 무덤 입구는 벽으로 막혔습니다. 다른 문화권과 달리 이집트 그림은 전통적인 성격을 띠었습니다. 얼굴은 눈을 앞에 두고 옆모습으로 그려졌고, 어깨는 앞으로 향했지만 다리는 옆모습으로 그려졌습니다. 이러한 관습에도 불구하고 이집트인의 이미지는 다양한 인물의 움직임을 전달하고 동물과 새의 형태로 얼굴 유형을 고유한 습관과 특징적인 포즈로 특성화하는 데 있어서 사실주의가 결여되어 있지 않습니다.

나중에 그 이미지는 사원의 벽에 나타나 묵상할 수 있게 됩니다. 그들은 신이나 지상의 대표자 인 파라오의 공적과 행위를 칭찬합니다. 파라오의 모습은 항상 단순한 필사자보다 훨씬 더 큰 것으로 묘사됩니다. 외벽에는 가시적인 이미지를 배치하여 일반 대중에게 영향을 미치고 건물을 장식하고자 한다. 따라서 회화와 부조와 함께 장식품, 회화와 부조도 등장하여 마치 건축적 형태를 지속하고 다양화하는 듯하다.

이 장식품은 처음에는 건물의 벽이나 기둥에 묶인 꽃다발, 꽃다발, 화환을 묘사했습니다. 이러한 이미지는 본질적으로 순진하게 사실적이었다가 점차 단순화되었습니다. 꽃, 나뭇잎, 종려나무 가지, 동물의 자연스러운 리듬은 예술가에게 영감을 주어 묘사된 사물의 배열에 리듬을 도입했습니다. 그는 적어도 대략적으로 동일한 거리에서 동일한 수치를 반복했습니다. 단순화된 사물의 실제 형태는 점차 사물과 개념의 상징인 추상적 인물로 변했습니다. 따라서 기원을 해독하기 어려운 장식적인 형태가 얻어졌으며, 상징적 의미, 내부 및 외부를 장식하는 기능을 수행합니다.

고대에 회화는 여전히 건축 및 조각과 결합되어 종교적 목적뿐만 아니라 세속적 목적에도 함께 사용되었습니다. 기원전 2천년. 크레타는 이집트와 그리스 사이의 문화 중재자가 됩니다. 크노소스와 섬의 다른 궁전에는 프레스코화의 많은 조각이 살아 있는 사실적(자연주의적) 스타일로 보존되어 있으며, 이는 이 예술을 이집트 그림과 크게 구별합니다. 일반적으로 모든 예술뿐만 아니라 회화의 사회적, 도덕적, 교육적 중요성에 대한 인식(특히 고대 그리스)이 있습니다. 고전 시대에 이 장르가 발전한 것은 서면 출처의 수많은 참고 자료를 통해 입증됩니다. 특히 아테네 아크로폴리스의 프로필레아에 있는 폴리그노토스의 그림이 유명했습니다. 고대 로마 기념비적 그림의 아름다운 예는 79년 베수비오 화산 폭발로 파괴된 폼페이(Pompeii), 헤르쿨라네움(Herculaneum), 스타비아(Stabia) 도시와 로마의 집 벽에 있는 재 층 아래에 보존되었습니다. 이는 건축적 모티브부터 복잡한 신화적 순환에 이르기까지 다양한 주제를 지닌 다색 구성입니다. 이러한 구성에서는 자연에 대한 예술가의 지식과 이를 전달하는 능력을 볼 수 있습니다.

고대 그리스에서는 오늘날까지 살아남지 못한 이젤 페인팅(보드에, 캔버스에 덜 자주)이 등장했으며, 이는 불화 기술(왁스 페인팅, 덜 자주, 접착제 페인트 및 템페라)을 사용하여 수행되어 볼륨을 표현적으로 조각할 수 있었습니다. .

기념비적인 그림은 초기 기독교 시대와 중세 시대의 주요 예술 중 하나였습니다. 이 기간 동안 프레스코화는 카타콤바의 벽과 둥근 천장을 장식했습니다. 벽화모자이크는 서로마 제국, 비잔티움 및 기타 동유럽 국가의 주요 사원 장식 유형이되었습니다. 중세에는 서유럽, 비잔티움, 러시아, 코카서스, 발칸반도의 회화가 주로 교회 기독교 이념을 중심으로 발전하여 종교적, 금욕주의적 이미지가 만들어졌다.

안에 서유럽르네상스 시대에는 새로운 인본주의 예술의 원리가 확립되어 재발견되고 인식되었습니다. 물질세계, 이로 인해 현실을 사실적으로 묘사하는 수단이 발전하면서 회화의 역할이 커지고 있습니다. 프레스코화는 특별함을 받았다 폭넓은 사용르네상스 시대 이탈리아에서. 그들의 작품에서 예술가들은 현실과 최대한의 유사성을 얻으려고 노력했습니다. 투시 구조와 공중(색채) 투시를 통해 볼륨과 공간의 전달에 특별한 주의를 기울였습니다.

17세기에는 장르 체계가 형성되었습니다. 안에 XVII~XVIII세기건축, 조각과 일체화되어 존재하며 공간에 대한 정서적 인식에 영향을 미치는 기념비적이고 장식적인 그림이 번성하고 있습니다. 이젤화의 역할도 커졌다.

다른 유형의 기념비적 예술(건축물, 조각)과 마찬가지로 기념비적이며 장식적인 그림도 쇠퇴하고 있습니다. 19세기 말과 20세기 초에만 다양한 유형의 회화와 장식 및 응용 예술, 건축을 하나의 앙상블로 부활시키고 병합하려는 시도가 있었습니다. 장식 그림의 기술적 수단도 개선되고 업데이트되고 있습니다.

20세기에는 감상자의 참여를 추구하는 구상화와 형태와 조화를 이루는 평면적, 장식적 그림 모두에서 장식화의 역할이 증가합니다. 현대 건축. 동시에 이젤 그림은 여전히 중요한 역할을 하고 있지만 예술적 형태의 장식 요소는 종종 이젤 그림을 전체 건축 및 예술 앙상블의 일부로 만듭니다. 20세기에는 페인팅 기술 분야 연구에 대한 관심이 높아지고 있지만(멕시코에서는 피록실린, 소련에서는 실리콘, 실리콘 수지와 같은 기념비적인 페인팅을 위해 새로운 페인트가 발명되었습니다) 유화가 여전히 우세합니다.

1.3 러시아 장식화의 역사

러시아(10세기 후반~17세기) 봉건제가 형성되고 번성하던 시기, 예술은 동슬라브 부족과 스키타이인, 유목민 사르마티아인의 문화를 기반으로 형성되었습니다. 각 지역과 부족의 예술은 고유한 특징을 갖고 있으며 이웃 지역의 영향을 받았습니다. 비잔티움 제국은 러시아가 기독교를 받아들인 이후 특히 강력한 영향력을 행사했습니다. 기독교와 함께 Rus는 고대의 전통, 특히 그리스 문화를 채택했습니다. 중세 러시아 예술은 기독교와 이교, 봉건과 가부장제라는 두 가지 종교와 삶의 방식의 교차점에서 형성되었습니다. 이교주의와 가부장적 삶의 방식은 봉건 러시아의 예술에서 오랫동안 추적될 수 있습니다.

몽골 이전 시대의 예술은 다음과 같은 특징이 있습니다. 구별되는 특징- 형태의 기념비주의. 특별한 장소건축이 그것을 차지합니다. 그 당시의 건축 기념물은 거의 우리에게 닿지 않았고, 많은 것이 왜곡된 형태로 살아 남았으며, 우리는 고고학 발굴과 서면 자료를 통해서만 많은 것을 알고 있습니다.

Kievan Rus의 미술에서 주요 역할은 모자이크와 프레스코와 같은 기념비적인 그림이 차지합니다. 러시아 거장들은 비잔티움의 건물 그림과 건물 유형 자체를 채택했습니다. 그러나 건축과 러시아 회화 모두에서 비잔틴 전통의 가공은 일찍 시작됩니다. 이교도 민속 예술고대 러시아 회화 기술에 큰 영향을 미쳤습니다.

그림은 대성당의 둥근 천장을 장식할 뿐만 아니라 일반적인 건축 아이디어를 구현합니다. 모든 중세 교회에서와 마찬가지로 그림은 하늘과 땅의 연결을 표현하기 위해 만들어졌습니다. Rus의 경우, 이 특정 기술은 더 저렴하고 접근하기 쉬운 형태의 기념비적 예술이었기 때문에 큰 미래를 가지고 있었습니다. 11세기 프레스코화. 우리에게 도달한 것은 거의 없습니다. 노브고로드 소피아에는 그림이 거의 보존되어 있지 않습니다.

고대 러시아 회화에서 특히 눈에 띄는 것은 손으로 쓴 책의 미니어처 예술입니다. 양피지에 쓴 책은 미니어처, 머리 장식 및 이니셜로 장식되었습니다.

고대 러시아의 여러 땅에서 지역적 형태와 지역적 변형을 통해 건축, 회화, 모자이크가 프레스코화로 바뀌는 응용 예술 분야에서 하나의 일반적인 아이디어가 탄생했습니다. 고대 러시아 예술의 발전은 몽골-타타르족의 침략으로 인해 중단되었습니다. "그리고 우울함이 러시아 땅에 퍼지고 슬픈 슬픔이 러시아 땅에 흐른다"고 "이고르 캠페인 이야기"는 말합니다. 내전으로 인해 이미 약화된 러시아 땅에 몽골-타타르 멍에가 얼마나 큰 피해를 입혔는지 상상하기 어렵습니다. 도시는 약탈당하고 불탔으며, 예술 기념물은 파괴되었고, 예술가와 건축가는 살해당했습니다. 멍에에 경의를 표하는 노브고로드와 프스코프에서만 예술적 삶은 여전히 계속되고 있습니다. 그러나 다른 나라와 고립되어 있기 때문에 자신들의 문화적 전통을 보존하고 발전시키기가 어렵습니다. 도시와 무역의 부흥은 14세기 중반부터 시작됩니다. 방어의 필요성은 러시아 군대를 통합하고 국토 통일에 크게 기여했으며 국가와 러시아 국민의 발전 과정을 가속화했습니다.

14세기는 노브고로드 기념비적 회화의 전성기이다. 현재 Novgorod에는 이미 지역 회화 학교가 있습니다. 또한 세기 말에 현지 장인들은 그리스인 비잔틴 테오파네스의 영향을 받았습니다.

15세기 마지막 분기. 러시아 중앙집권 국가 형성 과정이 종료된다. 모스크바는 강력한 세력의 수도가 됩니다. 이곳은 러시아 공국의 예술 전통을 수집하고 지속적으로 발전시키는 주요 문화 중심지가 됩니다. 국가 예술이 발전하고 있으며 러시아 거장들이 외국 건축가 및 화가들과 나란히 일하고 있습니다.

고대 러시아 예술은 종교와 밀접한 관련을 맺고 형성되었습니다. 정통 세계관이 만들어졌다 특별한 형태사원과 건물은 기념비적 그림과 아이콘 그림의 특별한 기술을 개발했습니다. 예술은 800년 이상에 걸쳐 형성되고 변형되었지만 그 형식과 전통은 이후 세기의 예술에서도 오랫동안 존재했습니다.

18세기 러시아 예술은 매우 특별했습니다. 미술의 전환점은 17세기에 시작됐다. 피터는 과학, 공예, 예술을 공부하기 위해 사람들을 해외로 보냅니다. 이번 결과는 새로운 아이디어, 이미지, 새로운 장르입니다. 러시아 예술은 범유럽 발전의 길로 진입하고 있지만 수세기에 걸친 국가 전통을 버리지 않고 있습니다. 표트르 대왕 시대의 그림에서는 옛 것에서 새 것으로의 전환, 세계 문화의 소개가 눈에 띕니다. 18세기 초부터. 그림의 주요 장소는 세속적 주제를 다룬 유화가 차지합니다. 이젤 그림과 기념비적인 패널 중에서 초상화가 지배적인 위치를 차지합니다.

피터가 죽은 후 "궁전 혁명 시대"가 시작됩니다. 한 특사는 1730년에 이렇게 썼습니다. "다시 한 번 말씀드리지만, 세상의 모든 변덕스러움은 러시아 궁정의 변덕스러움과 비교할 수 없습니다." 국가 불안정은 예술 발전에 영향을 미칠 수밖에 없습니다.

18세기 중반 미술의 발전. 30 대-Anna Ioannovna의 통치, 18 세기 러시아 생활의 슬픈 시대, 임시 노동자, 외국인의 시대, 40 대-50 대-Elizabeth Petrovna의 통치 해, 이전 시대의 도덕의 어느 정도 완화, 국가적 자기 인식의 성장, 국내 모든 것에 대한 격려, 러시아 바로크 양식의 형성 시간, 모든 유형의 예술의 종합을 표시합니다.

러시아 바로크 양식은 모든 유형의 장식 예술과 응용 예술의 출현을 가져왔습니다. 바로크 양식의 인테리어는 디자인의 우아함, 전체 구성의 기발함 및 솔루션의 우아함을 갖춘 매우 풍부한 장식으로 가구, 새로 태어난 국내 도자기, 직물 등 말 그대로 모든 유형과 기술에 반영되었습니다. 건축의 바로크 양식은 주로 궁전과 교회에서 사용되는 기념비적이고 장식적인 그림에 직접적으로 반영되었습니다. 불행히도, 기념비적인 그림은 그 그림이 그려진 내부와 마찬가지로 살아남지 못했습니다. 그러나 상당수의 이젤 예술 작품, 특히 표트르 대제의 초상화 장르 이후 개발된 작품이 많이 남아 있습니다. 엘리자베스 시대의 예술가들은 해외에서 공부하지 않고 러시아에서 공부하여 늙은 러시아 회화의 전통을 보존했습니다. 따라서 한 예술가의 작품뿐만 아니라 한 작품에서도 대조가 나타납니다.

17세기 전반에 걸쳐 러시아 예술은 뉴에이지의 법칙에 따라 발전했습니다. 단시간에 범유럽 발전의 법칙을 익히고 숙달하는 것은 어려운 길이었고, 그 결과 러시아 세속 문화가 점령당했습니다. 가치 있는 곳유럽 학교들 사이에서 그 특이성을 유지해 왔습니다.

19세기 전반 러시아에서는 다음과 관련된 전국적인 급증 분위기 속에서 일어났습니다. 애국 전쟁 1812년 전쟁과 데카브리스트 봉기는 20세기 전반기 러시아 문화의 성격을 결정했습니다. 18세기 이후 많은 것이 변했습니다. 미술 분야에서는, 플라스틱 예술오. 사회적, 도덕적 문제를 점점 더 많이 다루는 예술가의 역할, 그의 중요성 및 창의성의 자유에 대한 권리가 증가했습니다. 러시아 사회의 인본주의적 이상은 이 시대의 고도로 문명화된 건축 사례와 기념비적이고 장식적인 조각에 반영되었으며, 장식 회화와 응용 예술이 종합적으로 나타나며 종종 건축가 자신의 손에 넘어갑니다. 당시의 스타일은 러시아 제국 스타일이라고도 불리는 높은 고전주의였습니다.

40년대 이후 고골의 '자연파'의 장점에 힘입어 러시아 문학은 '우리 시대의 난제'를 선포하고 토론하고 탐구하는 플랫폼이 되었다. Turgenev, Tolstoy, Dostoevsky - 문학, 러시아 연극 - 러시아 음악 Ostrovsky를 통해 - "Mighty Handful"의 노력을 통해 미학 - 혁명적 민주주의 자, 특히 Chernyshevsky 덕분에 현실적인 방법을 주요 방법으로 확립하는 데 기여했습니다. ~에 예술 문화세기 중반과 후반.

90년대 대중 운동이 끝나자 많은 Peredvizhniki 예술가들은 창의적인 쇠퇴를 경험하고 재미있는 장르의 그림으로 전환했습니다. 복잡한 삶의 과정은 이 시대의 예술적 형태의 다양성을 결정했습니다. 당신의 예술 형식은 쇄신을 옹호했습니다. 예술적 언어, 높은 전문성을 위해. 19세기 후반 예술가들을 위한 작품입니다. 다른 형태가 일반적이다 예술적 창의성 Itinerants보다요. 야외 인상주의 회화, '무작위 프레이밍' 구성, 자유로운 회화 스타일에 대한 교훈, 이 모든 것은 모든 예술 장르에서 시각 매체가 진화한 결과입니다. 예술가들은 스스로를 시도한다 다양한 기술그리고 예술의 종류 - 기념비적인 그림부터 장식 및 응용 예술까지.

20세기 40년대 중반~50년대의 예술적 삶. 비정상적으로 활동적입니다. 지역 여행, 도시, 공화당, 공화당 간 전시회는 일반적으로 중요한 날짜에 맞춰 모든 연합 전시회와 함께 산재되어 있습니다. 그러나 전후에는 사회 생활 규범이 침해되고 민주적 자유가 제한되었습니다. 그러한 불리한 사회적 상황은 창조적 분위기에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. 창의성을 향한 길은 삶 자체만큼이나 어려웠습니다. 무의미하고 진부하고, 작은 작품. 최고의 예술가들은 진정한 길과 형태를 찾기 위해 이에 맞서 노력했습니다. 삶 자체가 그들에게 새로운 주제를 주고 새롭고 복잡한 질문을 제기했습니다. 전쟁의 주제, 도덕적, 육체적 시험의 주제 소련 사람들전후 몇 년 동안 관련성을 유지합니다.

50~60년대에는 국가의 예술 생활이 더욱 강화되었습니다. 1957년에는 7,000명이 넘는 예술가와 미술사학자의 대표자들이 모인 제1차 소련 예술가 연합 회의가 열렸으며, 여기에서 과거의 결과가 요약되고 진로가 결정되었습니다. 추가 개발소련 예술. 문화예술 분야에서는 《부르주아사상에 반대하는 투쟁》이 계속되었다. 그러나 거짓으로 한심하고 서사적으로 자연주의적인 작품들은 점차 전시에서 사라지기 시작했다. 예술가들은 그림과 조각을 통해 감정이나 가식 없이 애국적인 소리를 전달하려고 노력했습니다.

예술은 한 방향으로 제한하기 어렵고, 지난 20년 동안의 모든 예술가가 '심각한 스타일'에 영향을 받은 것은 아닙니다. 그들 중 많은 사람들이 고대 러시아 예술의 전통, 18세기부터 20세기 초의 예술, 프로토 르네상스, "작은 네덜란드" 예술, 프랑스 고전주의, 그리고 물론 민속으로 향합니다. 뿌리로 돌아가는 것이 항상 흥미로운 결과를 낳는 것은 아니지만, 예술의 다양한 층위의 발전은 예술가의 창의성을 풍요롭게 해왔습니다.

현대 예술가들은 전통과 역사, 아름다움에 대해 많은 생각을 합니다. 현대 세계. 그들은 색상, 구성, 선형 및 리듬 구조 등 예술의 표현 수단과 가능성을 다르게 인식합니다. 상징주의의 언어는 가깝다. 화보 형식은 오락성이 풍부하고 50년대의 직설적인 서사가 설 자리가 없다. 이때 장르의 경계가 사라지고 예술의 종류가 더욱 가까워진다. 미술에서 장르의 경계가 모호해지는 것은 현대 문화의 발전을 반영하는 것입니다. 60년대에는 차트에서 새로운 기간이 시작됩니다.

최근까지 러시아 예술은 민족 문화의 융합이었습니다. 국립학교에 관해 말하면 각 학교의 주요 특성을 언급할 수 있지만 이는 매우 제한적이고 잘못된 특성입니다. 복잡한 비유적, 문체적 특수성을 지닌 각 국립학교는 다음과 같습니다. 다양한 형태, 기술, 스타일은 인간의 주요 이상에 충실했습니다.

지난 10년간 국내 미술은 매우 다양합니다. 이 기간 동안 공식 예술과 함께 다양한 비공식 협회의 합법화 과정이 진행되었습니다. "Underground"는 국내 예술계에 들어왔을 뿐만 아니라 거의 엘리트 예술이 되었지만 여전히 진지하고 진지한 예술이 요구됩니다. 객관적인 평가. 다른 민족으로부터 배우고, 외국 문화 형식을 동화하고, 자신의 방식으로 변형하고, 감성과 영적 내용으로 포화시켜 자신의 새로운 예술적 현실을 창조하려는 러시아 문화의 준비 상태(18세기의 경우와 마찬가지로, "러시아 바로크", "러시아 로코코", "러시아 고전주의" 등)이 러시아에서 사라지지 않았을 때.

회화(러시아어: live and write)는 가장 오래된 유형의 미술 중 하나이며, 견고하거나 유연한 베이스에 페인트를 적용하여 시각적 이미지를 전달하는 것과 관련된 예술 작품입니다. 디지털 기술을 사용하여 이미지를 생성하는 것; 그런 방식으로 만들어진 예술 작품도 마찬가지다.

그림에는 이젤과 기념비의 두 가지 유형이 있습니다.

이젤 그림은 주변 공간과 독립적으로 존재하는 반면, 기념비 그림은 그것이 위치한 건축물 및 인테리어와 밀접한 관련이 있습니다.

기념비화는 건축 구조물에 그림을 그리는 것으로, 거대한 크기와 건축 표면에 부착되는 것이 특징이다. 기념비적 그림의 주요 유형: 프레스코, 세코, 모자이크, 스테인드 글라스, 장식 그림 및 장식 패널.

러시아어 단어 회화는 주로 유성 페인트를 사용하여 러시아에서 서양식 그림이 시작된 바로크 시대에이 예술의 사실성을 나타냅니다. 아이콘 페인팅에서는 그리스어와 마찬가지로 "쓰다"라는 동사가 사용됩니다.

장식 그림은 플라스틱 예술 작품의 정서적 표현력과 예술적 조직적 역할을 향상시키는 일련의 예술적 속성입니다. 사람을 둘러싼주제 환경. 작품의 장식 효과를 창출하는 데 중요한 역할은 장식, 재료의 자연스러운 질감 표현력 및 플라스틱 형태의 고유한 특징, 구성, 선형 리듬 구성, 플라스틱 볼륨 및 색상 반점, 강도에 의해 수행됩니다. 색의 소리, 다채로운 획의 표현력과 질감 등

회화는 교육적, 종교적, 이념적, 사회적, 도덕적, 교육적, 미적 또는 철학적 기능을 가지며, 아름다움과 완벽의 법칙을 바탕으로 세상을 상상적으로 이해하는 과정에서 창출되는 미학적 가치의 일부이기도 합니다.

그림은 다양한 장르에 영향을 미치는 현실의 전체 폭과 완전성을 다룹니다.

1. 초상화(역사물, 사후(회고), 초상화-회화, 자화상, 의상초상, 종교(기부자 또는 후원자) 등)

2. 풍경은 자연을 주요 소재로 하는 장르이다. 고대부터 존재했으나 중세에 그 중요성을 잃었다가 르네상스 시대에 다시 인기를 얻어 회화의 가장 중요한 장르 중 하나가 되었습니다.

3. 마리나(Marina) - 바다 풍경이나 바다에서 일어나는 사건을 묘사하는 장르.

4. 역사화는 르네상스에서 시작된 회화 장르로, 실제 사건을 바탕으로 한 작품뿐만 아니라 신화, 성서, 복음주의 회화도 포함합니다. 개별 국가나 인류 전체에게 중요한 과거의 사건을 묘사합니다.

5. 전투화는 전쟁과 적대 행위를 주제로 하는 장르입니다.

6. 장르화('일상 장르')

7. 정물 - 미술에서의 무생물 묘사.

8. 건축 그림 - 그림의 주요 주제는 자연이 아닌 건축 풍경입니다. 건축 구조물 이미지뿐만 아니라 인테리어 이미지도 포함되어 있습니다.

9. 종교화(신화화 등)

10. 장식화(기념화, 연극-장식화, 장식화)

그림의 기법과 방향:

1. 아크릴 그림. 아크릴화의 기법은 비교적 최근에 등장했으며, 길어야 20년 전의 일이다. 아크릴 물감은 약 50년 전에 등장하여 즉시 널리 인정받았다. 이들의 성공 현대적인 색상주로 적용 용이성, 다양성 및 건조 속도로 인해 발생합니다. 안에 지난 몇 년점점 더 작아지고 내광성이 있는 입자를 포함하는 아크릴 에멀션의 개발이 발전하면서 점점 더 고품질의 페인트를 얻을 수 있게 되었습니다.

아크릴 페인트와 바니시는 유리, 목재, 금속, 리넨, 캔버스 등과 같이 기름기가 없는 모든 바닥에 사용할 수 있습니다. 신선한 아크릴 페인트는 물을 사용하면 쉽게 제거할 수 있지만 건조할 때는 특수 용제가 필요합니다.

물이나 사용된 필러(젤, 페이스트, 퍼티, 접착제)로 희석한 정도에 따라 완성된 아크릴 그림은 수채화나 유화 이미지와 유사할 수도 있고 다른 미술 분야에서는 얻을 수 없는 고유한 색상 표현을 가질 수도 있습니다.

2. 수채화는 물에 녹이면 가벼운 안료 현탁액을 생성하는 특수 수채화 물감으로 작품을 만드는 회화 기법입니다. 수채화 물감의 특성 덕분에 미묘한 색상 전환이 있는 가볍고 바람이 잘 통하는 작품이 만들어집니다. 수채화 그림은 그림과 그래픽의 특징을 결합합니다. 색상을 통한 공간 구성, 풍부한 톤, 이미지 구성에 종이 사용;

3. 그리자이유(Grisaille)는 세피아, 회색 등 한 가지 색상의 색조 그라데이션으로 수행되는 회화 기법이자 채색된 부조 및 기타 건축 또는 조각 요소를 만드는 기법입니다. 그리자이유에서는 피사체의 어조만 고려됩니다.

4. 구아슈 - 페인트 가루, 물, 백색 도료 및 접착제로 만든 불투명 수성 페인트로 페인팅합니다. 구아슈 페인팅의 기본은 목재, 프라이밍된 캔버스, 직물, 판지, 합판 또는 종이(그래픽 이미지의 경우 일반적이므로 구아슈를 그래픽 기법으로 분류할 수 있음) 등 다양한 표면입니다.

5. 석고에 수성 페인트로 페인팅 - 습식(프레스코) 및 건식(초);

6. 규산염 페인트로 페인팅;

7. 세라믹 페인트로 페인팅;

8. 글루 페인팅은 바인더가 접착제인 페인트를 사용하여 수행되는 페인팅 기법입니다. 글루 페인팅에서 페인트는 불투명하고 조밀하며 작품의 페인팅 표면은 무광택입니다.

9. 카네이션 - 인간의 피부, 얼굴 및 신체의 열린 부분을 묘사하는 회화 기법입니다.

10. 유약, 그리잘 또는 회색 - 깊고 무지개 빛깔의 층을 얻기 위해 기본 색상 위에 반투명 페인트를 적용하는 기술입니다.

11. 유화는 물감을 사용하는 회화 기법 중 하나입니다. 식물성 기름주요 바인더로. 생산용 유성 페인트진짜 색소와 양귀비 기름, 호두를 사용하는데 가장 인기있는 것은 아마씨 기름입니다. 유화 기술은 다양합니다. 덮음(불투명) 또는 글레이징(투명), 몸체(두꺼움) 또는 얇고 매끄럽거나 릴리프(질감이 있는) 스트로크를 사용할 수 있습니다. 주로 유화는 깨끗하게 프라이밍된 캔버스에 라 프리마(la prima) 기법을 사용하거나 얇게 칠한 색상이나 색조 밑칠을 하는 것이 특징입니다.

12. 점묘법 또는 분할주의는 올바른 형태의 별도의(고립된) 획을 사용하여 그림을 그리는 방식을 기반으로 하는 신인상주의 회화의 문체적 방향입니다.

13. 템페라(Tempera) - 건조 분말 천연 안료 및/또는 그 합성 유사체를 기반으로 준비된 페인트. 템페라 페인트의 결합제는 유제입니다 - 천연(전체의 노른자) 닭고기 달걀, 식물 주스, 드물게 - 프레스코 화에서만 - 오일) 또는 인공 (접착제 수용액의 건조 오일, 폴리머). 템페라 페인팅은 기법과 질감이 다양합니다. 얇은 레이어 페인팅, 유약 페인팅, 두꺼운 임파스토 페인팅이 모두 포함됩니다.

14. 인코스틱(Encaustic) 또는 왁스 페인팅은 왁스를 바인더로 하는 페인트를 사용하여 페인팅하는 기술입니다. 작품을 작업하는 동안 페인트가 녹습니다. 불타오르는 그림의 한 유형은 템페라 왁스 그림입니다.

15. 혼합 기법은 그래픽, 조각, 회화 작품 등 미술 작품을 만들 때 일반적으로 여러 기술이나 방법을 사용하는 기법입니다.

종종 화가들은 주요 재료 외에 템페라, 오일 또는 재료를 사용할 때 이러한 기술을 사용합니다. 아크릴 페인트, 작업하는 동안 필요한 효과와 표현력을 얻기 위해 그는 다른 안료 재료를 추가 재료로 사용합니다 (그는 다른 기반으로 직접 만듭니다). 또한 작품의 표면에는 유기적으로 적합하거나 필요한 불협화음을 생성하는 다양한 재료가 포함되어 있으며 일반적인 의미에서는 특징적이지 않습니다. 나무 개체(일상 또는 작가가 직접 디자인하고 만든 것), 재료 조각, 가죽, 세부 사항 다양한 장치그리고 메커니즘.

장식 그림의 주요 표현 수단은 색상입니다. 색상은 그 특성을 통해 감각적 인식에 영향을 미치고 이미지의 정서적 영향을 강화하며 그림의 광범위한 시각적, 장식적 특성을 결정합니다. 장식화 작품에서 색상은 통합 시스템인 색상을 형성합니다. 일반적으로 하나 또는 다른 일련의 상호 연관된 색상과 그 음영이 사용됩니다. 색상 구성표이지만 동일한 색상의 음영 (단색)으로 그림을 그리는 것도 있습니다.

색상 구성은 색상 반점의 배열 및 관계 시스템으로, 작품의 특정 색상 통일성을 제공하고, 감상자의 인식 과정에 영향을 미치며, 장식 그림 작품에 특정한 예술적 구조의 일부입니다.

그림의 또 다른 표현 수단인 그림(선 및 명암법)은 색상과 함께 리드미컬하고 구성적으로 이미지를 구성합니다. 선은 볼륨을 서로 구분하고, 종종 그림 형식의 구성적 기초가 되며, 개체의 윤곽을 전체적으로 또는 세부적으로 재현하고 가장 작은 요소를 드러낼 수 있게 해줍니다.

일반적으로 회화 예술 작품 (캔버스, 목재, 종이, 판지, 합판, 양피지, 석재, 석고 및 기타 재료)의 기초에는 예비 준비, 즉 입문서가 필요합니다. 이젤 페인팅에서 작품이 만들어지는 가장 일반적인 유형의 기반은 나무와 캔버스였으며 벽화에서는 돌, 벽돌 등이었습니다. 건축 자재. 완성된 작품은 바니시 층으로 외부 영향으로부터 보호됩니다.

그림의 시각적, 표현적 특성은 안료의 분쇄 정도와 페인트의 특성에 따라 결정되는 페인트의 특성에 크게 좌우됩니다. 바인더, 아티스트가 사용하는 도구(브러쉬, 팔레트 나이프), 그가 사용하는 용매; 베이스와 프라이머의 매끄럽거나 거친 표면 (바인더를 어느 정도 흡수함)은 페인트 적용 기술과 그림의 질감에 영향을 미치고 베이스 또는 프라이머의 반투명 색상은 색상에 영향을 미칩니다. 때로는 페인트가 없는 베이스 또는 프라이머 부분이 색채 구성(주로 수채화)에서 특정 역할을 할 수 있습니다.

그림의 물감층 표면, 그 질감은 광택이 있을 수도 있고 무광택일 수도 있고, 연속적이거나 불연속적일 수도 있고, 매끄러울 수도 있고 고르지 않을 수도 있습니다. 필요한 색상이나 음영은 팔레트에서 색상을 혼합하고 유약을 사용하여 얻을 수 있습니다. 근처에 배치된 스트로크 다른 색상특정 거리에서는 관찰자의 눈에 섞여 있는 것처럼 보일 수 있습니다(점묘법에 사용되는 광학 효과).

스타일, 그림 기법의 특이성, 그림의 구성, 그리고 그림이 의도한 인테리어는 형식(직사각형, 타원형 또는 원형)과 그림을 환경과 분리하는 프레임 유형에 영향을 미칩니다. 이미지 자체에 관심을 집중시킵니다.

그래픽(Graphics)이라는 단어는 그리스어 "grapho"에서 유래되었습니다. 나는 쓰고, 그린다.

그래픽은 선, 획, 점, 점, 흰색과 검정색의 대비를 기반으로 하는 예술입니다. 이러한 수단의 조합은 색조의 뉘앙스를 생성합니다. 그래픽은 색상 사용을 허용하지만 색조 대비는 그래픽 표현의 주요 수단으로 남아 있습니다. 드로잉 작업은 페인팅 작업과 공통점이 많으며 그 사이의 경계는 임의적입니다. 수채화, 구 아슈, 파스텔, 템페라를 사용하여 그림 및 그래픽 작품을 만들 수 있습니다. 그래픽은 그림보다 훨씬 더 관습적이며 상징성과 장식적인 성격을 담고 있습니다. 그래픽 자료와 기술은 다양하지만 일반적으로 기본은 종이 시트입니다. 종이의 색상과 질감이 큰 역할을 합니다. 그래픽의 종류에 따라 다채로운 소재와 기법이 결정됩니다.

모든 유형의 미술과 마찬가지로 그래픽도 세 가지 유형으로 나눌 수 있습니다.

1. 기념비적 - 건축 앙상블과 밀접하게 관련되어 있습니다(예: 포스터(기념비 인쇄 그래픽), 벽면 그래픽, 판지).

2. 이젤 - "기계에서" 수행되며 특정 인테리어와 관련이 없으며 작업의 목적과 의미는 예술적 내용(그림, 인쇄, 대중 인쇄)에 의해 완전히 소진됩니다.

3. 장식 - 특별한 예술적 가치는 없지만 물체의 표면을 구성하는 데 사용되는 책 삽화, 엽서, 그래픽 이미지. 장식 그래픽에는 나무 보풀, 빨대 및 기타 "살아있는"재료를 사용하여 만든 플로리스트리도 포함됩니다.

드로잉(예술적이고 표현적인 수단)은 모든 유형의 미술에 사용되지만 그래픽에서는 선도적이고 정의적인 원리이며 더 순수한 형태로 사용됩니다.

그림은 선, 획, 점 등 그래픽 수단을 사용하여 손으로 만든 이미지입니다. 그리는 방법에 따라 다양한 종류의 그림이 있습니다. 주제와 장르, 공연의 기술과 성격.

“스케치 예술이라고도 불리는 드로잉은 회화, 조각, 건축의 최고점입니다. 그림은 모든 과학의 원천이자 뿌리입니다.” 위대한 이탈리아 르네상스 예술가 미켈란젤로 부아나로티(1475-1564)는 이렇게 썼습니다.

그림은 르네상스 시대에 예술적 창의성의 특별한 영역이 되었습니다. 그림은 예술가들에게 다양한 목적으로 사용되었습니다. 자연과 그것을 평면에 묘사하는 기술을 연구하고 관찰, 인상 및 생각을 기록하는 것입니다. 그림의 기원은 구석기 시대에 동굴 벽에 동물의 이미지가 그려진 그림이 그려졌을 때 나타납니다. 석판. 안에 고대 이집트드로잉 예술과 관련된 작품(조각 스케치, 교육 연구, 그림 스케치)도 볼 수 있습니다. 고대에는 그림을 그렸다. 준비 작업그리고 손으로 쓴 책의 삽화. 그리고 르네상스 시대에만 그림이 눈에 띄었습니다. 독립종미술. 독립적인 이젤 그림은 Mantegna의 작업에서 강점과 높이에 이르렀습니다.

독립적인 예술 형식으로서의 그래픽은 특히 르네상스 시대 거장(이탈리아어 - Leonardo da Vinci, 미켈란젤로, 북부 - Albrecht Durer)의 작품에서 명확하게 드러납니다. 중국에서는 6~7세기부터 조각이 알려졌습니다. XVI-XVII 세기의 프랑스. 연필화로 유명하다. 초상화는 특히 유명했습니다. 예술가들은 연필로 고귀한 사람들을 묘사했습니다. 그리고 19~20세기에 접어들면서 미술 체계에 변화가 생기고 마침내 그래픽이 하나의 예술 형태로 등장하게 됩니다.

그래픽의 중요한 특징은 관련성, 복제 및 여러 이미지에서 아이디어의 일관된 공개입니다. 이러한 특성은 선전, 풍자 및 정치 그래픽에 널리 사용되었으며, 그 급속한 발전은 주요 역사적 사건(특히 20세기-혁명, 내전, 두번째 세계 대전). 20세기에는 그래픽은 사회적으로 큰 의미를 지닌 민주적 예술로 발전하여 대중의 관심을 끌고 있습니다.

그리기 기술:

1. 펜 - 액체 착색제(잉크, 비스트르, 세피아, 잉크)로 그림을 그리는 도구입니다. 오래전부터 새의 깃털(거위, 백조, 공작, 까마귀, 멧도요, 도요새 등)이 사용되어 선의 굵기를 부드럽게 변경하고 음영 처리 방법을 다양하게 할 수 있었습니다. 고대와 중세 동부에서는 유연하고 플라스틱 선과 활기찬 스트로크를 생성하는 갈대 펜(kalam)이 사용되었습니다. 19세기 이후 금속 펜촉이 일반적이며 얇고 균일한 선을 제공합니다. 펜 드로잉(흔히 워시나 셰이딩과 결합됨)은 특히 즉흥적이고 충동적입니다.

2. 석탄은 다양한 종의 나무에서 발사되는 막대기 형태의 다양한 크기의 드로잉 재료입니다. 다양한 종류의 나무 가지를 묶음으로 묶고 점토 냄비에 단단히 닫은 다음 오븐에 넣고 완전히 타버릴 때까지 밤새 방치합니다(매우 검은 톤을 얻음).

3. 핏빛(Saguine)은 주로 카올린과 산화철로 만든 막대 형태의 드로잉 재료입니다. 다혈질의 색상 범위는 갈색에서 빨간색에 가깝습니다. 그것의 도움으로 누드의 톤이 잘 전달됩니다. 인간의 몸, 그래서 낙천적인 인물 사진이 매우 자연스러워 보입니다. 작업하는 동안 낙천적 인 상태로 획의 두께와 밀도를 다양화할 수 있습니다. Sanguine을 종이 위에 탈지면으로 문질러 더 얇고 투명한 층을 얻을 수 있습니다. Sanguine은 "그리자이유" 기법(동일한 색상의 다양한 색조로 작업)에 적합합니다. 다혈질을 사용하여 생활에서 그림을 그리는 기술은 르네상스 시대(레오나르도 다 빈치, 라파엘)부터 알려져 왔습니다. 이때 유럽에서는 천연 광물 기원의 다혈질(“빨간 분필”)이 사용되었습니다. 현대의 낙관적 인 것은 인공적입니다.

유사한 문서

내부 장식 그림, 그 역사. 장식 그림 및 그래픽. 프로젝트 개발 및 장식 패널용 디자인 솔루션의 타당성 입증. 장식 패널 "타란티노. 죽음의 증거" 만들기. 예술가의 직업 설명.

논문, 2014년 7월 13일에 추가됨

장식화 교육에 과거 예술가들의 경험을 적용합니다. 양식화 장식 구성, 패널 생성 과정에서 사용에 대한 권장 사항. "현대 패션"이라는 주제의 패널 구성 개발의 주요 단계.

논문, 2015년 7월 10일에 추가됨

실내 장식 요소의 일반적인 특성. 그래픽의 자급 자족과 독창성. 내부의 혼합 매체와 사진. 삼부작 거장의 작품을 고찰합니다. 그림의 스케치, 구성 솔루션을 개발합니다.

논문, 2016년 1월 24일에 추가됨

인테리어의 예술적 구성, 디자인의 기본 원칙. 다양한 장식 및 디자인 작품. 재료, 도구 및 장치. 내부의 색상과 빛 공공 건물. 탈의실 어린이집 응접실 내부입니다.

실습 보고서, 2012년 5월 20일에 추가됨

장식 그림의 구성 구성의 특징. 주제별 제작 "패션" 작업의 주요 단계. 예술 작품을 공연하는 방법 및 기술. 페인팅 기술 및 재료에 대한 지식, 환경 디자인에서의 활용.

코스 작업, 2014년 3월 1일에 추가됨

러시아 풍경화의 역사. V. Polenov의 삶과 일. 작가의 그림에 나타난 가부장제 모스크바의 시. I. Repin의 역사화에 나타난 현실주의와 사회 비판적 아이러니의 정신, 심리적 드라마. 작가의 초상화 그림.

초록, 2009년 7월 28일에 추가됨

Khokhloma의 특성 연구, 장식 그림목재 제품에. 팔렉(Palekh)은 종이칠기에 칠한 러시아 민속 세밀화의 일종입니다. 금속 쟁반에 장식적인 유화입니다. Gorodets 그림을 수행합니다.

프레젠테이션, 2016년 11월 29일에 추가됨

내부에 직물을 사용할 가능성. 장식 패널 디자인의 특징. 장식용 직물 그림 개발의 역사. 예술적 회화를 위한 장비, 도구, 재료 및 준비. 장식 패널의 Vikonanny 기술.

논문, 2011년 9월 17일에 추가됨

이론적 해석 디자인 솔루션. 디자인 프로젝트 개발. 스타일, 색상 및 구성 솔루션의 선택 및 정당화. 실행 개별 요소, 기술 요구 사항. 디자인 작품의 디자인. 기술 및 경제 계산.

코스 작업, 2012년 9월 21일에 추가됨

색상의 물리적 기초와 기본 특성. 전자기 방사선 및 스펙트럼의 스펙트럼 가시 광선. 조화로운 색상 조합의 유형. 장식 구성을 만들기 위한 영감의 원천 분석: 장식의 유형 및 기법.

이것은 신중하게 구성된 인테리어의 유기적 부분으로 그림이 선험적으로 인식되고 생성되는 현대적이고 인기 있는 현상입니다. 동시에, 이상적으로는 특정 공간에서 분위기와 독창성을 창출하도록 설계된 그림은 고품질입니다. 예술 작품. 이 예술의 의미론은 필수적인 속성이 아니라 오히려 미적, 실용적인 목표를 달성하는 자질이 중요합니다. 이 작품에서 예술가들은 최신 재료를 적극적이고 자유롭게 사용하여 관객에게 최대의 미적 영향을 보장합니다. 즉, 캔버스의 국지적 및 배경의 금도금, 은도금, 작품에 질감을 부여하기 위한 다양한 질감의 페이스트 사용, 볼륨 생성 등이 있습니다. 거친 표면 등을 얻습니다. 인테리어 테마 그림은 다양합니다. 정물, 풍경, 누드가 아마도 주요 장르로 남아있을 것입니다. 추상화는 또한 주거, 사무실 및 공공 공간의 인테리어를 완벽하게 보완합니다. 인테리어 페인팅의 주요 특징은 사교성, 시청자를 기쁘게하려는 욕구의 복합체 부재, 디자인의 새로운 트렌드를 느끼고 대응하는 능력입니다. 좋은 인테리어 페인팅에 필요한 기준은 기술에 대한 숙달과 다양한 현대 재료에 대한 탁월한 지식입니다. 이 예술은 일회성 충격을 위해 고안된 것이 아니라 독창성과 참신함을 환영합니다. 다른 형태의 그림과 마찬가지로 주인의 인식과 독창성은 여기에서 매우 중요합니다. 이 방향으로 작업하는 대표적인 예술가 중 한 명은 다음과 같습니다. 니쿨린 안드레이 발레리에비치. 그가 가장 좋아하는 그림 주제는 꽃이다. 저는 이 작가의 여러 작품을 여러분께 소개합니다.

"탱고의 리듬으로" 80x80; 흠

"네이티브" 100x130; 흠

"당신이 가까이 있을 때" 80x100; 흠

"타르코프스키에 대한 헌신" 90x90; 흠

"예상치 못한 기쁨" 90x90; 흠

+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

그림은 옛날부터 우리에게 다가온 예술의 방향입니다. 첫 번째 사람은 암벽화로 동굴을 장식하려고 했습니다.

그것은 항상 존재했고, 개발되고, 개선되었으며, 새로운 스타일과 방향이 나타났습니다. 그림은 항상 인테리어를 장식하는 데 사용되었습니다. 수세기 동안 예술적 벽화는 관련성을 잃지 않았습니다.

인테리어 페인팅의 도움으로 특정 스타일의 표현력이 강화되고 강조되었습니다. 가구 제조, 벽과 천장 장식, 가정 용품 장식에도 사용되었습니다. 사람의 영적 삶의 발전에서 그 역할을 과대평가하는 것은 어렵습니다.

가장 뛰어난 대표자이자 다양한 그림 중 하나는 프레스코입니다.

에서 번역됨 이탈리아어"프레스코"라는 단어는 신선함을 의미합니다. 프레스코는 젖은 회반죽 위에 그리는 예술적인 그림으로, 가장 오래된 벽화 기법 중 하나입니다. 프레스코화가 나타난 정확한 날짜를 알 수 있는 사람은 아무도 없습니다.

전에 오늘미켈란젤로, 라파엘로, 뛰어난 레오나르도 다빈치와 같은 가장 위대한 거장 예술가들이 벽을 장식한 르네상스 사원이 보존되어 있습니다. 기독교 예술에서 프레스코는 석조 사원의 내부 벽뿐만 아니라 궁전과 성을 장식하는 가장 좋아하는 방법 중 하나였습니다.

현대 프레스코화의 생산은 환경을 기반으로 합니다. 깨끗한 재료. 오늘날 프레스코화는 어떤 베이스에도 쉽게 붙일 수 있는 다양한 캔버스 형태로 나옵니다.

기초는 고대 벽을 모방할 수 있으며, 이 경우 주인은 작은 균열로 덮습니다. 갈라진 효과와 손으로 만든 작품은 어떤 이미지도 예술 작품으로 만들 수 있어 내부에 고풍스러운 느낌을 줍니다.

모든 작업은 개별 주문에 따라 마스터 아티스트의 손으로 수행됩니다. 프레스코화는 아마도 다양한 크기, 내구성이 뛰어나고 물을 두려워하지 않습니다.

태피스트리

항상 태피스트리 애호가가 많았습니다. 태피스트리는 특정한 예술적 구성을 지닌 보푸라기가 없는 벽걸이 카펫이었습니다. 이러한 사치품 없이는 성 하나도, 궁전 하나도 할 수 없습니다. 일반적으로 벽과 바닥을 장식했습니다.

태피스트리는 단순한 장인의 손으로 만들어졌지만 실제 예술 작품이었습니다. 실제 주인은 항상 명령을 받았으며 그들이 말했듯이 수요가 많았습니다.

현재 태피스트리 공예는 시골집과 대형 고급 아파트 소유자들 사이에서 성공을 거두었습니다. 개별적인 작은 것들이 모든 인테리어에 독점성을 더하기 때문에 이것은 전혀 놀라운 일이 아닙니다. 오늘날 태피스트리는 손으로 제작될 뿐만 아니라 실제 걸작을 만들 수 있는 특수 디지털 장비로도 제작됩니다. 기계로 만든 태피스트리는 21세기 예술 작품이라고 할 수 있습니다.

그들은 전통적인 스케치 페인팅과 현대적인 컴퓨터 그래픽을 구현할 수 있으며 이를 통해 섬유 직물은 예술적 그림의 진정한 숨결을 전달할 수 있습니다.

그림

회화 작품은 항상 모든 인테리어에 존경심을 더해 왔습니다. 그림은 집에 조화와 아름다움을 더하고 독특함과 개성을 부여합니다.

능숙하게 배치하고 세련되게 선택한 그림, 인쇄물, 카펫, 사진 및 기타 예술 작품은 집을 변화시키는 데 도움이 되며, 아늑하고 독창적이며 어떤 스타일에도 특별한 느낌을 더할 수 있습니다. 그림은 인테리어 디자인을 완성하는 데 도움이 될 것입니다. 집에 그림이 있다는 것은 주인의 예술적 취향, 선호도, 웰빙을 말해줍니다. 그림은 다양한 스타일, 색상 및 트렌드를 지닌 전통적인 실내 장식 중 하나로 간주될 수 있습니다. 그림의 도움으로 방에 시각적 볼륨을 더하거나, 대비를 더 높이거나, 우아함과 부드러움을 더할 수 있습니다.

예술적인 공간 구성은 집에 편안함과 휴식의 분위기를 선사할 수 있습니다. 그림은 그 미적 가치와 대중성, 고상한 아름다움을 결코 잃지 않습니다.