家修理モダンなインテリア絵画。来た、見た、買った – インテリアの壁画とその選び方

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モダンなインテリア絵画。来た、見た、買った – インテリアの壁画とその選び方

あなたの直感とセンスを頼りに、空間を感じてください。通常、複数の絵画を並べる場合、最も直射日光が当たらない壁に配置されます。対称的な構図はバランスが特徴で、ここではすべてがシンプルです。

絵画を非対称に配置する場合は、最初に床に構図を作成し、次にその構造を壁に移すことで実験できます。

同一フレーム内の同じサイズの作品を6枚または8枚、2列に近接して配置することで、連続トレリス吊り下げの原理を利用できます。

絵画に最適な背景は無地の壁です。明るく飽和した色の壁はそれ自体に注目を集め、写真が色の暴動の中で失われる可能性があります。絵画が壁と同色である場合は、対照的なバゲットまたはマットを使用してください。

自然光と人工光の両方を考慮することが重要です。ステージ上では上手い修理作業狭い開口部、隙間、または照明が不十分な場所へのピクチャーランプの設置を計画してください。

絵画、あるいはそこに描かれているものは、人の心理的・感情的状態に強い影響を与えます。したがって、インテリアを選択するときは、最初に希望する効果を決定する必要があります。

ランスコイショッピングセンター (セクション A25) の住所: St. Petersburg, Studencheskaya, 10 にある Aurora Interiors サロンの絵画を例にして、絵画の選択のいくつかの側面について話しましょう。

田園地帯の田園風景、田園風景、風景が目をリラックスさせるのに役立つことを証明する研究は数多くあります。オフィスやスポーツ（ジム）ルームなど、緊張が最も高まる場所に吊るすのが良いでしょう。さらに、田舎の風景は、壁に何もかかっていない場合と比べて、自尊心を 20% も高めることが証明されています。

集中する必要がある場合は、贅沢な風景の画像を気軽に掛けてください。自然の美。このような用途には、人の気配がまったくない画像のほうが効果的だと言われています。しかし、小さな木製の足場や湖上のボートも肯定的に捉えられます。

混乱の場面、破壊された家屋、さびで覆われた車は、観察者の攻撃性を引き起こすと一般的に受け入れられていますが、これは完全に真実ではありません。すべてはその人の性格に依存することがわかりました。外向的な人、世界や新しい経験に対してオープンな人は、たとえそこに描かれているテーマがあまり楽しいものではないと考えられていたとしても、そのような絵画を好むかもしれません。内向的な人は、マリアンナ・ヴェレフキナの精神に基づいた表現主義の絵画をより好むでしょう。それは彼らを快適な内なる世界に戻します。

「採石場の掘削機」、アート。副社長ヤーキン (1972)

幾何学的なデザインは、自分の人生を計画する傾向のある合理主義者に適していますが、「マッドアーティスト」の理解できない空想の飛行は、逆にイライラを引き起こす可能性があります。合理主義者はまた、古典、風景、静物画、つまり酸性の色に感銘を受けません。

インテリアデザインにおけるもう 1 つのファッショナブルなトレンドは、アメリカから来たレタリングです。これらはモチベーションを高める引用です。ポジティブなアファメーションを含むポスターは、敏感な人を落ち着かせ、勇気を奮い立たせるのに役立ちます。

キャラクターのマッチングに加えて、絵のスタイル、色、サイズ、配置や照明も重要です。絵画が適切に選択されていれば、それがなければインテリアは崩壊し、空間内の相互作用は絵画だけでなく、レリーフや浅浮き彫り、彫刻、タペストリー、鏡パネル、ステンドグラスも接続機能を果たすことができます。この装飾は、壁を装飾する最後の段階ではなく、インテリアを作成するプロセス中に表示されることが非常に重要です。

インテリアのペイントは、インテリアで顕著な役割を果たすもう 1 つのアクティブなカラースポットです。絵のカラーパレットが部屋の環境と一致することが重要です。また、特定の色があなたの身体にどのような影響を与えるかに耳を傾けることをお勧めします。心理状態。このように、印象派や抽象主義者の作品、ミニマリストの非具象作品において、色は非常に重要な役割を果たしています。

専門家は、絵画の周囲に内装を構築することを推奨しており、その逆は行わないでください。絵画がすでに購入されていて、それを基にして構築できるものがある場合は素晴らしいことです。あなたがコレクション全体の所有者である場合は、事前に構成を計画し、あるものをアクセントにし、他のものを背景にする必要があります。細部まで計画を立て、色、構成、光の当たり方を考えるなど、これらすべての小さなことが、芸術作品の美しさを強調するのに役立ちます。

絵画が骨董品である場合、専門家以外がその絵画を評価することは非常に困難です。しかし、主な価格設定要因が何なのかを考えてみましょう。まずは作者について知り、作品の背景を理解する必要があります。アートでは、作者の人気、スキル、創造的活動の総合指標である評価が考慮され、絵画の費用にも影響することに注意してください。作品を実行する技術は非常に重要であり、最も親しみやすいのは写真、プロダクショングラフィックス、シンプルなグラフィック、続いて絵画、彫刻、インスタレーション。有名な芸術家の絵画を購入する予算が十分でない場合は、その中には将来のスターもいる同時代のアーティストに注目してください。

アーティスト R.A. の自画像フリードマン

展覧会やアンティークショップで衝動買いをするとき、私たちはほとんどの場合「いいね！」という心の叫びに導かれます。しかし、作品を短時間観察するのとでは、色の影響の強さを感じるのは困難です。日々の接し方が全然違います。いずれにせよ、楽しい買い物と装飾を楽しんでください。

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室内装飾絵画

導入

1.5 選択の目的と根拠

1.6 施設の簡単な説明

第2章特別編。化粧パネル

2.1 設計ソリューションのプロジェクトと正当化

2.1.1 プロット装飾パネル

2.1.2 フォーマットの選択

2.1.3 装飾絵画における構成

2.1.4 カラーソリューション

2.2 実務で使用する技術と材料

2.2.1 化粧パネルの基礎

2.2.2 色材

2.2.3 ブラシ

2.3 実践部分の完了

第3章経済的な部分

第 4 章労働安全衛生

4.1 労働安全および労働規定

4.2 仕事内容アーティスト

4.3 アーティストに対する労働安全上の注意事項

結論

参考文献

イラスト一覧

応用

導入

この研究テーマの選択は、モダンなインテリアのデザインに対する装飾絵画の関連性によるものです。

モダンなインテリアデザインは、絵画、彫刻、写真などの芸術作品なしでは想像できません。絵画は部屋の内部空間を整理する上で重要な役割を果たし、装飾としてだけでなく、視覚的な認識を変え、内部空間を豊かにし、ユニークなスタイルを形成します。

ユニークで個性的なインテリアは常に評価されてきました。そのようなインテリアは芸術作品と同等であり、個性的であり、この個性は、床と天井の仕上げ、部屋に設置されている家具、装飾など、多くの機能によって決定されます。

プロのデザイナーはよくこのテーマに言及します。自作そういったものがインテリアを個性的にしてくれます。このような装飾要素は、人の興味に応じて作られた装飾パネルです。空間を豊かにし、インテリアデザインに必要な重点を置くことができます。パネルは、顧客の要望や部屋の形式に応じて、あらゆるインテリアや規模に合わせて作成できます。

パネル（ラテン語のパンヌスに由来 - 布地）は、装飾的な性質の絵画作品であり、通常は壁の一部のセクションを永久に埋めることを目的としています（壁パネル）または天井（プラフォン）。装飾パネルは、インテリアの独立した要素として作成することも、部屋の重要な領域を占めることもできます。

装飾パネルとは、さまざまな材料を使用して壁やキャンバスに描かれた絵画です。装飾効果。装飾パネルは、インテリアの装飾要素の形で独立した要素として作られるか、壁と天井が相互接続されたプロットを表す場合、部屋の重要な領域を占めます。

キャンバスで作られた装飾パネルは、生活空間を装飾するためのオプションの1つです。基礎として、人の興味に対応し、彼を無関心にしないことができるプロット構成を取ることができます。技法と配色をうまく選択することで、人の精神状態を改善するのは簡単です。アクリル絵の具でキャンバスに描かれた絵は、スタイリッシュで珍しいように見えます。アクリルは、その高貴な輝き、並外れた色合い、幻想的なパターンで注目を集める能力を持っています。

目的論文クエンティン・タランティーノ監督の映画「デス・プルーフ」のプロットに基づいて、ファッショントレンドを考慮し、装飾パネルの形で実践的な作業を行う、インテリアの装飾絵画（技法として）の研究です。

研究の主題は、モダンなインテリアのための装飾パネルのプロジェクトを開発するプロセスです。

この研究の理論的意義は、将来のデザインや芸術活動に活用される知識の充実と補充にあります。

実際的な意義は、知識を応用して装飾パネルの予備デザインを作成し、それを素材に変換することです。

論文の執筆中に、次のタスクが設定されました。

1. このトピックに関する情報を収集および分析します。

2. 記念碑的な装飾芸術の発展の歴史を研究する。

3. 装飾芸術の技術と特徴を知る。

4. 論文のテーマに直接沿って、アクリル絵の具を扱う技術、方法、手段を研究します。

5. インテリアに対する人間の感覚的認識に対する装飾絵画の影響を研究する。

6. 装飾絵画の構成と色彩の特徴を研究する。

7. 装飾パネルの予備設計を作成します。

8. プロジェクトをマテリアルで実装します。

論文はいくつかの段階で実施されました。

1. トピックの詳細な調査と情報の分析。

2. スケッチとドラフトオプションの開発。

3. 論文の理論部分の作成。

4. マテリアルでのプロジェクトの実施。

ディプロマプロジェクトの構造:

1. 理論部分（装飾および記念碑芸術の発展の歴史、装飾絵画とグラフィックの技術、オフィスの休憩室の装飾）。

2. 特別な部分（設計ソリューション、技術と材料の正当性、作業の進行状況）。

3. 経済的部分（作業を完了するためのコスト、装飾パネルのコストの決定）

4. 労働安全衛生（労働安全、労働法、アーティストの職務内容）

5. 実践編（スケッチ、完成した化粧パネル）

第1章本編。室内装飾絵画

「装飾芸術」という用語は、ラテン語の「decor®」（「私は飾る」）に由来しており、造形芸術を指します。装飾芸術では、密接に織り込まれています日常生活個々のオブジェクトや建築装飾を作成するには、さまざまな種類の機器が使用されます。装飾芸術作品の装飾は、実用的な目的と美的な目的の組み合わせで構成されています。

造形芸術は空間芸術とも呼ばれます。このような種類の視覚芸術は、時間の経過とともに変化することなく空間に存在し、人間を取り巻く物質的な物体と空間環境を形作り、そこに比喩的で美的な原理を導入することが求められます。

造形芸術は 2 つのカテゴリに分類されます。

1. 美術。これらには、絵画、彫刻、グラフィック、写真が含まれます。

2. 建築および装飾および応用芸術（民俗芸術およびデザイン）。

装飾芸術は家庭用品を作成する芸術であり、その目的は人々の実用的かつ芸術的、美的ニーズを満たすことです。装飾芸術作品の美的性質は、その外観、つまりそれが作られた素材と製造技術によって決まります。

装飾仕上げ、外装・内装塗装用途大量ビジュアルメディア。装飾パネルと彫像は、建築アンサンブルの一部として、また独立した芸術作品として考えることができます。オブジェクトの世界の美的性質を向上させることを目的としたデザインの発展に伴い、装飾芸術や応用芸術の制作は、小さなシリーズや個々の作品の制作にますます限定されており、そのような作品はエリートで独占的なものとなっています。

装飾芸術は建築やデザインと密接に関係しています。装飾芸術の概念には次のものが含まれます。

1. 記念碑的 - 装飾芸術。これらは、建築構造物や隣接する領域の装飾として機能する大きな芸術作品です。すなわち、ステンドグラスの窓、モザイク、絵画、レリーフ、ファサードや室内。装飾的な園芸と記念碑的な彫刻。

2. 装飾芸術および応用芸術。人間の生活を彩る芸術品の製作です。これらには、食器、家具、布地、衣類、宝石、おもちゃ、家庭用電化製品などが含まれます。

3. デザインアート。これらは、情報が変化する一時的または永続的な性質の作品です。これらは公共のイベントを装飾したり、有益な情報を提供したりするのに役立ちます。これらには、通り、広場、デモの行われる工業地帯、民俗祭り、体育の公演やパレードなどのお祭りの装飾のほか、店のショーウィンドウ、さまざまな種類の博覧会、情報シートやポスターのデザインも含まれます。

したがって、装飾芸術作品は常に、その意図された環境と関連付けられています。装飾芸術は、全体的で審美的に表現力豊かなイメージを持つ、美しいものや記念碑的な作品を作成することを目的としています。

装飾もメインの一つです芸術的手段記念碑的な装飾芸術の作品。それはまた、建築と相互作用して芸術的アンサンブルを形成する、イーゼルと装飾的および応用的な美術作品にも固有のものです。

装飾性には時代の兆しだけでなく、社会的思想、文化的、技術的、ファッションのトレンドも含まれます。記念碑的で装飾的な創造性のオブジェクトは、美術品と同様に、美的目的のみを持ち、実用的な負荷を持ちません。その目的は、建築要素やグラフィック要素でインテリアを豊かにし、装飾的なアクセントを作成することだけです。装飾絵画パネルアーティスト

記念碑的 - 装飾芸術は、装飾芸術全体の構成要素の 1 つです。建築とその周囲の空間を連動させた造形的な空間芸術であり、イデオロギー的に完成された大判作品を含む。記念碑的および装飾的な芸術には、次のような作品が含まれます。

1. 記念碑的な彫刻は美術の一種であり、その作品は建築環境と密接に関係しており、歴史上の偉大な出来事や人物に捧げられています。記念碑彫刻の特徴は、規模が大きく、建築環境や空間環境と一体化していることです。記念碑的な彫刻は、記念碑、記念碑、記念碑、石碑、オベリスク、吻側の柱、凱旋門、柱、門の形で実行されます。印象的な例ピョートル一世の記念碑は、イタリアの彫刻家カール・ラストレッリによって作られた、サンクトペテルブルクのミハイロフスキー城の正面にある青銅の騎馬記念碑です。

2. 記念碑的 - 装飾的な彫刻。建物のファサードやインテリアの装飾に使用され、造園アンサンブルの要素にもなります。装飾彫刻は建物の建築構造の支持要素として機能します。たとえば、アトラスはコーニスやバルコニーを支え、カリアティードは建物の梁やプロトームを支える女性像です。内部の装飾には、アーコテリー、ビガ、カネフォラ、キャピタル、マスカロン、メトープ、パンダティブ、プラフォン、ポータル、ロゼット、フリーズ、ペディメントなど、膨大な数の種類の記念碑的装飾彫刻が使用されています。例: ツァールスコエセロー宮殿を飾るアトラスの図。

3.記念碑的および記念碑的 - 装飾絵画は建築構造物に描くことであり、特徴的な特徴は巨大なサイズと建築表面への取り付けです。記念碑的な絵画の主な種類: フレスコ画、セッコ画、モザイク画、ステンドグラス、装飾画、装飾パネル。記念碑的な絵画の例としては、フィレンツェの芸術家グループ (ボッティチェリ、ペルジーノ、ギルランダイオ、コジモロッセリ) によって制作されたシスティーナ礼拝堂のフレスコ画があります。

記念碑的および装飾的な絵画は、建築構造または応用芸術作品と密接に関連しています。前者の場合、そのような絵画は、その大きさと、記念碑的な性質を持つ建築との密接な関係の強さから、記念碑的な絵画とも呼ばれます。

記念碑的および装飾的な絵画には次のようなものがあります。

1. フレスコ画は、記念碑画の古代の技法であり、その特徴は、湿ったベースに水溶性の絵の具でデザインを適用することです。フレスコ画の基礎は、消石灰と砂の混合物であるジェッソまたは石膏です。フレスコ画の絵の具は、天然顔料を普通の水で希釈したものです。下地が乾燥すると、濡れた漆喰に塗られた絵の具が一体となり、乾燥した石灰の表面に透明なカルシウムの膜が形成され、絵を何世紀にもわたって保護します。

2. モザイクは、記念碑的で装飾的な応用芸術であり、多色のセラミックタイル、スマルト、その他の素材を壁の表面に設置、配置、固定することによって作成されます。モザイクはいつでも人気があるのは、その耐久性と特殊な特性（耐熱性、耐衝撃性、耐水性）によるものです。モザイクの長期保存は、石、スマルト、セラミックなどの材料によって保証されており、それらは変化せず、何年もその色を保ちます。その一例として、シュメールの「標準」の表側があります。ウル」ボックス。

3. 装飾絵画は記念碑的な絵画の一種であり、インテリアの装飾に広く使用されており、建築と密接に関連した記念碑的な構成を作成します。天井、壁、アーチが同じスタイルで描かれています。壁画は、建築構造物の漆喰仕上げの表面に油絵の具、アクリル絵の具、またはテンペラ絵の具を直接使って描かれます。

4. 装飾パネル - キャンバス上に作られ、さまざまな装飾効果を使用して壁や天井に固定された絵画パネル。装飾パネルは次のように作ることができます。装飾インサートインテリアに置いたり、部屋のかなりの部分を占めたりします。

5. ステンドグラスは、建築構造物の窓の開口部を埋めるために使用される、着色および塗装されたガラスまたはその他の光透過性材料で作られた記念碑的な芸術作品です。現代のステンドグラス窓の使用フリントガラス、鋳造ガラス、厚い粉砕ガラス（鋳造およびプレスガラスにはあらゆる種類の質感と透明度が与えられます）、さまざまな色ガラスおよび鏡。ステンドグラスのガラス加工にもエッチング、塗装、サンドブラストなど様々な種類があります。有名な例としては、イギリスのカンタベリー大聖堂のステンドグラスがあります。

6. Sgraffitoは単色または多色の装飾的な壁画であり、その技法は、異なる層の漆喰をいくつかの層で徐々に塗布することで構成されています。乾燥後、外層を傷つけたり、領域を完全に除去したりして、デザインやパターンを作成します。

記念碑的な絵画の作品は、体積空間的または平面的な装飾的な方法で行われます。それらは建築アンサンブルの主要な特徴になることもあれば、表面を装飾するだけであることもあります。

1.2 装飾塗装の歴史

記念碑的な絵画は、絵画芸術の一般的な発展において非常に重要です。なぜなら、私たちに知られている最初の絵画作品は、地球上の最初の人々の住居の壁に描かれていたからです（「洞窟壁画」）。

装飾絵画の発展の歴史は何千年も前に遡ります。その最古の例は、洞窟の壁に描かれた動物の洞窟画像です。正確な時間これらの画像の用途は不明ですが、科学者たちはそれらが旧石器時代、いわゆるオールドストーン時代のものであると考えています。画像はレリーフの形で作られたり、鋭利な道具で引っ掻かれたり、脂肪や骨髄を混ぜた2つの絵の具からなる赤土、黒い煤、茶色も塗られていました。草食動物や捕食動物を写実的に描いたこれらの画像は、すでに完全に絵画と呼ぶことができます。

これらの画像は、暗い隅や天井などに配置されることがよくあります。そのような場所では、それらの像は洞窟を飾るためではなく、宗教的または魔法のお守りとして作られたのかもしれません。彼らは一族の祖先のトーテムであったか、あるいは狩猟者の獲物として描かれた動物を引き寄せたに違いありません。絵は狩猟の直前に儀式として適用されました。この儀式を行うと狩りが成功すると信じられていました。

古代エジプトの墓の絵画（日常や戦闘シーンを含む死後の世界の絵、動物の絵）は、音楽的なリズムと構図の明瞭さ、線の洗練さにより、特に高い完成度に達しました。エジプトの装飾絵画は、より発展し完成した外観を持っています。これらの像は装飾品ではなく、葬儀の儀式の一部でした。埋葬後、墓の入り口は壁で覆われました。他の文化とは異なり、エジプトの絵画は伝統的な性質のものでした。顔は目を正面に向けて横顔で描かれ、肩は正面を向いていますが、脚は横顔で描かれていました。これらの慣例にもかかわらず、エジプト人のイメージは、さまざまな人物の動きを伝え、動物や鳥の形で顔のタイプを特徴づけ、固有の習慣や特徴的なポーズを表現する点でリアリズムを欠いていません。

後に、その像は寺院の壁に現れ、瞑想に利用できるようになります。彼らは神々、あるいは地上におけるその代表者であるファラオの偉業や行為を称賛します。ファラオの姿は常に、単なる人間よりもはるかに背が高いものとして描かれています。外壁には、一般の人々に影響を与えることを目的とした可視画像が建物を装飾することを目的としています。したがって、絵画やレリーフとともに、装飾品も絵画やレリーフとして登場し、建築の形態を継続し、多様化させているかのようです。

この装飾品は当初、建物の壁や柱に結び付けられた束、花束、花輪を描いていました。これらのイメージは本質的に素朴に写実的でしたが、徐々に簡素化されていきました。花、葉、ヤシの枝、動物の自然なリズムは、アーティストに、描かれたオブジェクトの配置にリズムを導入するインスピレーションを与えました。彼は、少なくともほぼ同じ距離で同じ図形を繰り返しました。物体の実際の形は、単純化されて、徐々に抽象的な図形、つまり物体や概念の象徴に変わりました。このようにして、その起源を解読することが困難であるだけでなく、装飾的な形が得られました。象徴的な意味、内外装を装飾する機能を実行します。

古代において、絵画は依然として建築や彫刻と融合しており、宗教的な目的だけでなく世俗的な目的にも役立ちました。紀元前2千年。クレタ島はエジプトとギリシャの文化的仲介者となる。クノッソスや島の他の宮殿には、生き生きとした写実的（自然主義的）なスタイルで描かれたフレスコ画の断片が数多く保存されており、この芸術がエジプト絵画と大きく区別されています。 (特に古代ギリシャでは) 絵画、そしてすべての芸術全般の社会的、道徳的、教育的重要性に対する認識があります。古典期におけるこのジャンルの発展は、文献に記載された多数の文献によって証明されています。アテネのアクロポリスのプロピュライアにあるポリグノトスの絵画は特に有名でした。古代ローマの記念碑的な絵画の美しい例は、ローマだけでなく、79 年のヴェスヴィオ火山の噴火によって破壊されたポンペイ、ヘルクラネウム、スタービアの都市の家の壁の灰の層の下に保存されていました。これらは、建築のモチーフから複雑な神話のサイクルに至るまで、さまざまな主題を含む多色の作品であり、そのような作品には、自然に関するアーティストの知識とそれを伝える能力が見られます。

古代ギリシャでは、今日まで生き残っていないイーゼル絵画（板に描かれることは少なく、キャンバスに描かれることは少ない）が登場し、エンカウスティック技法（蝋絵、頻度は少ないが接着剤絵の具やテンペラ）を使用して実行され、表現力豊かにボリュームを彫刻することが可能になりました。。

記念碑的な絵画は、初期キリスト教時代および中世の主要な芸術の 1 つでした。この期間中、フレスコ画がカタコンベの壁と金庫室を飾りました。壁画そしてモザイクは、西ローマ帝国、ビザンチウム、その他の東ヨーロッパ諸国の寺院装飾の主要な種類になりました。中世には、西ヨーロッパ、ビザンチウム、ルーシ、コーカサス、バルカン半島の絵画が主に教会のキリスト教イデオロギーに基づいて発展し、宗教的および禁欲的なイメージが作成されました。

で西ヨーロッパルネッサンス時代には、新しい人文主義的な芸術の原則が確立され、再発見と認識が行われました。物質世界、このため、絵画の役割は増加しており、現実をリアルに描写する手段が開発されています。フレスコ画は特別な評価を受けました幅広い用途ルネッサンス時代のイタリア。芸術家は作品の中で、現実との類似性を最大限に達成しようとしました。遠近法による構築と空気（色彩）遠近法による、体積と空間の移動に特に注意が払われました。

17 世紀には、ジャンルの体系が形成されました。で 17 ～ 18 世紀記念碑的で装飾的な絵画が栄えており、建築や彫刻と一体となって存在し、空間の感情的な認識に影響を与えています。イーゼル絵画の役割も増えました。

他の種類の記念碑的芸術（建築、彫刻）と同様に、記念碑的および装飾的な絵画も衰退しています。 19 世紀の終わりから 20 世紀の初めになって初めて、さまざまな種類の絵画と装飾芸術や応用芸術、建築を単一のアンサンブルに復活させて融合させる試みがなされました。装飾塗装の技術的手段も改良され、更新されています。

20世紀には、装飾絵画の役割は、鑑賞者を巻き込もうとする具象的なものと、形と調和した平面的な装飾的なものの両方で増大しています。近代建築。同時に、イーゼル絵画は依然として主要な役割を果たしていますが、芸術形式の装飾的な要素により、イーゼル絵画は建築的および芸術的アンサンブル全体の一部となることがよくあります。 20世紀に入ると、絵画技術分野の研究への関心が高まっていますが（メキシコではピロキシリン、ソ連ではシリコーン樹脂上のシリコーンなど、記念碑の絵画用に新しい絵の具が発明されています）、依然として油絵が主流です。

1.3 ロシアにおける装飾絵画の歴史

ルーシにおける封建制の形成と繁栄の時期（10 世紀後半から 17 世紀）、芸術は東スラブ部族、彼ら以前にこれらの土地に住んでいたスキタイ人および遊牧サルマティア人の文化に基づいて形成されました。各地域や部族の芸術には独自の特徴があり、近隣の土地の影響を受けました。ロシアがキリスト教を受け入れた後、ビザンチウムは特に強い影響力を持った。キリスト教とともに、ルーシは古代の伝統、特にギリシャ文化を取り入れました。中世のロシア美術は、キリスト教と異教、封建制と家父長制という 2 つの宗教と生活様式が交差して形成されました。異教と家父長制的な生活様式は、封建時代のルーシの芸術の中に長い間遡ることができました。

モンゴル以前の芸術の特徴は次のとおりです。際立った特徴- 形の記念碑主義。特別な場所建築がそれを占めます。当時の建築記念碑はほとんど私たちに伝わっておらず、多くは歪んだ形で残されており、私たちは考古学的な発掘や文書でしか知らないことがたくさんあります。

キエフ大公国の美術において、主役はモザイクやフレスコ画といった記念碑的な絵画によって占められています。ロシアの巨匠たちは、ビザンチウムから建物の絵や建物自体の種類を取り入れました。しかし、建築においてもロシア絵画においても、ビザンチンの伝統の処理は早い段階から始まります。異教徒民俗芸術古代ロシア絵画の技法に強い影響を与えました。

絵画は大聖堂の円天井を飾るだけでなく、建築のアイデア全般を具体化しています。すべての中世の教会と同様に、絵画は天と地のつながりを表現するものと考えられていました。ルーシでは、この特定の技術は、記念碑芸術のより安価でアクセスしやすい形式であったため、大きな将来性を持っていました。 11世紀のフレスコ画。私たちに届いているものはほとんどありません。ノヴゴロド・ソフィアには絵画はほとんど残っていない。

古代ロシア絵画で特に顕著なのは、手書きの本の細密画の芸術です。羊皮紙に書かれた本は、ミニチュア、かぶと、イニシャルで飾られていました。

古代ルーシのさまざまな土地で、地域的な形で、地域的な修正を加えながら、モザイクがフレスコ画に取って代わられた建築や絵画、応用芸術において、1つの一般的なアイデアが生まれました。古代ロシア美術の発展はモンゴル・タタール人の侵略によって中断された。「そして憂鬱がロシアの大地に広がり、悲しい悲しみがロシアの大地に流れている」と「イーゴリ遠征の物語」は述べている。モンゴルとタタールのくびきが、内戦ですでに弱体化していたロシアの国土にどれほどの甚大な被害をもたらしたかを想像するのは難しい。都市は略奪され、放火され、芸術記念碑は破壊され、芸術家や建築家が殺害されました。くびきに敬意を表するノヴゴロドとプスコフでのみ、芸術的な生活が今も続いています。しかし、他の土地から孤立しているため、文化的伝統を保存し発展させることは困難です。都市と貿易の復興は 14 世紀半ばに始まります。防衛の必要性がロシア軍を団結させ、土地の統一に大きく貢献し、国家とロシア国民の発展の過程を加速させた。

14 世紀はノヴゴロドの記念碑絵画の全盛期です。この時点で、ノヴゴロドにはすでに地元の絵画学校がありました。さらに、世紀末には、地元の職人がビザンチンのギリシャ人テオファネスの影響を受けました。

15世紀の最後の四半期。ロシアの中央集権国家形成のプロセスは終了する。モスクワは強大国の首都となる。ここは主要な文化センターとなり、ロシア公国の芸術伝統を収集し、発展させ続けています。国家芸術は発展しており、ロシアの巨匠は外国の建築家や画家と協力して働いています。

古いロシアの芸術は宗教と密接な関係で形成されました。生み出されるオーソドックスな世界観特殊なフォーム寺院や建物の記念碑画やイコン画の特別な技術を開発しました。芸術は 800 年以上にわたって形成され、変容してきましたが、その形式と伝統はその後の数世紀の芸術の中に長く存在していました。

18世紀のロシア美術は非常に並外れたものでした。芸術の転換点は 17 世紀に始まりました。ピーターは科学、工芸、芸術を学ぶために人々を海外に送ります。今回の結果は、新しいアイデア、イメージ、新しいジャンルです。ロシア芸術は汎ヨーロッパ発展の道に入りつつありますが、何世紀にもわたる国の伝統を放棄することはありません。古いものから新しいものへの移行、世界文化への導入は、ピョートル大帝の時代の絵画で顕著です。 18世紀初頭以来。絵画における主な位置は、世俗的な主題を描いた油絵によって占められています。イーゼル絵画や記念碑的なパネルの中で、最も重要な位置を占めているのは肖像画です。

ピョートルの死後、「宮殿革命の時代」が始まります。「もう一度言いますが、世界のあらゆる不規則性はロシア宮廷の不規則性と比較することはできません」と使節の一人は1730年に書いている。国家の不安定は芸術の発展に影響を与えざるを得ませんでした。

18世紀半ばの芸術の発展。 30年代はアンナ・ヨアンノヴナの治世、18世紀のロシア生活の悲しい時代、臨時労働者や外国人の時代、そして40年代から50年代はエリザベス・ペトロヴナの治世の2つの段階に分かれている。前回の道徳のある程度の緩和、国民的自覚の成長、あらゆる国内の奨励、あらゆるタイプの芸術の総合を特徴づけるロシア・バロック様式の形成の時期。

ロシアのバロック様式は、あらゆる種類の装飾芸術や応用芸術の隆盛を引き起こしました。バロック様式のインテリアは、デザインの優雅さ、全体的な構成の奇抜さ、解決策の優雅さを備えた、並外れた装飾の豊かさであり、家具、新しく生まれた国産磁器、布地など、文字通りあらゆる種類と技術に反映されています。建築におけるバロック様式は絵画、主に宮殿や教会で使用される記念碑絵画や装飾絵画に直接反映されました。残念ながら、記念碑的な絵画は、その絵画が描かれた内部と同様に現存していません。しかし、イーゼルアートのかなりの数の作品が現存しており、特にピョートル大帝の肖像画というジャンルの時代以降に発展した作品が多く残っています。エリザベス朝時代の芸術家たちは海外に留学せず、古いロシア絵画の伝統を守りながらロシアに学びました。したがって、コントラストは 1 人のアーティストの作品だけでなく、1 つの作品にも存在します。

17 世紀を通じて、ロシア芸術はニューエイジの法則に従って発展しました。短期間で汎ヨーロッパ発展の法則を知り、習得するのは困難な道であり、その結果、ロシアの世俗文化が占領した。価値のある場所ヨーロッパの学校の中でその特異性を保っています。

19世紀の最初の時代ロシアでは、事件に関連した全国的な高揚の雰囲気の中で開催された。愛国戦争 1812 戦争とデカブリストの蜂起は、世紀の最初の 3 分の 1 のロシア文化の性格を決定しました。 18 世紀以来、多くのことが変わりました。美術において、プラスチックアートおお。芸術家の役割、その重要性、そして社会的および道徳的問題にますます触れる創造性の自由への権利が増大しました。ロシア社会の人文主義的な理想は、この時代の高度に文明的な建築や記念碑的で装飾的な彫刻の例に反映されており、それらが統合されて装飾絵画や応用芸術が現れ、最終的には建築家自身の手に渡ることも少なくありません。当時の様式は高度な古典主義であり、ロシア帝国様式とも呼ばれました。

ゴーゴリの「自然派」の功績により、40年代以降、ロシア文学は「現代の厄介な問題」を宣言し、議論し、探求するプラットフォームとなった。ツルゲーネフ、トルストイ、ドストエフスキー - 文学、ロシア演劇 - オストロフスキーを通じて、ロシア音楽 - 「マイティ・ハンドフル」の努力を通じて、美学 - 革命的民主主義者、特にチェルヌィシェフスキーのおかげで、主要な方法としての現実的な方法の確立に貢献しました。で芸術文化今世紀の中頃から後半にかけて。

90年代の大衆運動の終焉により、ペレドヴィジニキの多くの芸術家は創造性の衰退を経験し、娯楽的な風俗画に転向しました。複雑な生命プロセスが、近年の芸術形式の多様性を決定しました。あなたたちの芸術形式は更新を主張しました芸術的な言語、高い専門性のために。 19世紀後半の芸術家向け。他の形式は典型的です芸術的創造性遍歴者よりも。外光の印象派絵画のレッスン、「ランダムなフレーミング」の構成、自由な絵画スタイル、これらすべては芸術のあらゆるジャンルにおける視覚メディアの進化の結果です。アーティストは自分自身に挑戦するさまざまなテクニック記念碑的な絵画から装飾芸術や応用芸術まで、芸術の種類。

20世紀の40年代半ばから50年代の芸術生活。異常に活発。地方巡回展示会、都市展示会、共和党展示会、共和党間展示会は、通常、重要な日付に合わせて開催される全連合の展示会に散在しています。しかし、戦後、生活の社会規範は侵害され、民主的自由は制限されました。このような不利な社会状況は、創造的な雰囲気に影響を与えずにはいられませんでした。創造への道は人生そのものと同じくらい困難でした。意味のない、決まり文句がたくさんありますマイナー作品。最高の芸術家たちは、真の道と形式を求めて、これに対抗しようと努めました。人生そのものが彼らに新たな話題を与え、新たな複雑な疑問を投げかけた。戦争のテーマ、道徳的および肉体的なテストのテーマソ連の人々そして戦後もその関連性を維持しています。

50年代から60年代にかけて、この国の芸術活動は激化しました。 1957 年に、7,000 人以上の芸術家や美術史家からの代表者が集まり、第 1 回ソビエト芸術家全連合会議が開催され、過去の成果が総括され、進むべき道が決定されました。更なる発展ソ連の芸術。「ブルジョア・イデオロギーに対する闘争」は文化と芸術の分野で続いた。しかし、誤って哀れな、物語的に自然主義的な作品は徐々に展覧会から姿を消し始めました。芸術家たちは、哀愁や見せかけをせずに、絵画や彫刻で愛国的な響きを伝えようとした。

芸術を一方向に限定するのは難しく、過去 20 年間のすべての芸術家が「厳格なスタイル」の影響を受けていたわけではありません。彼らの多くは、古代ロシア芸術の伝統、18世紀から20世紀初頭の芸術、原ルネッサンス、「リトル・ダッチ」の芸術、フランスの古典主義、そしてもちろん民間伝承に目を向けています。ルーツに目を向けることは必ずしも興味深い結果を生み出すわけではありませんが、芸術のさまざまな層の発展はアーティストの創造性を豊かにしてきました。

現代アーティストは、世界の伝統、歴史、美について深く考えています。現代世界。彼らは、色、構成、直線的およびリズミカルな構造など、芸術の表現手段と可能性を異なる方法で認識しています。象徴の言語は近い。この絵画形式はエンターテイメントに富んでおり、50 年代の率直な物語が入り込む余地はありません。このとき、ジャンル間の境界はなくなり、芸術の種類が近くなります。美術において、ジャンルの境界があいまいになることは、現代文化の発展を反映しています。 60年代、チャートでは新たな時代が始まります。

最近まで、ロシア芸術は国民文化の融合でした。国立学校について言えば、それぞれの主な特質を挙げることができますが、それらは非常に限定的であり、誤った特色であろう。それぞれの国立学校は、その複雑な比喩的および様式的特異性を備えています。さまざまな形、テクニック、スタイルは人間の主要な理想に忠実であり続けました。

過去 10 年間の国内アートは非常に多様です。この期間中、公式芸術と並行して、さまざまな非公式団体の合法化のプロセスが行われました。「アンダーグラウンド」は国内の芸術界に参入しただけでなく、ほぼエリート芸術となったが、今後も真剣な芸術と芸術を必要とするだろう。客観的な評価。他の民族から学び、外国の文化形態を吸収し、それを独自の方法で変容させ、その感情性と精神的な内容でそれらを飽和させ、それによって独自の新しい芸術的現実を創造するロシア文化の準備（18世紀の場合のように、「ロシア・バロック」、「ロシア・ロココ」、「ロシア古典主義」など）がロシアで消えなかったとき。

絵画（ロシア語から：生きて書く）は、最も古いタイプの美術品の1つであり、固体または柔軟なベースに絵の具を塗布することによって視覚的なイメージを伝達することに関連した芸術作品です。デジタル技術を使用して画像を作成する。そしてそのようにして作られた芸術作品。

絵画にはイーゼルと記念碑の 2 種類があります。

イーゼル絵画は周囲の空間とは独立して存在しますが、記念碑絵画はそれが置かれている建築やインテリアと密接に関係しています。

記念碑的な絵画は建築構造物に描くことであり、特徴的な特徴は巨大なサイズと建築表面への取り付けです。記念碑的な絵画の主な種類: フレスコ画、セッコ画、モザイク画、ステンドグラス、装飾画、装飾パネル。

ロシア語の絵画という言葉は、ロシアで主に油絵の具を使った西洋風の絵画が始まったバロック時代のこの芸術の写実性を指します。イコンの絵画では、ギリシャ語と同じように「書く」という動詞が使用されます。

装飾絵画は、プラスチック芸術作品の感情的表現力と芸術的組織的役割を強化する一連の芸術的特性です。人を囲む対象の環境。作品の装飾効果を作り出す上で重要な役割は、装飾、材料の自然な質感の表現力、およびプラスチックの形状、構成、線形リズムの構成、プラスチックのボリュームとカラースポットの強度などの固有の特徴によって果たされます。色の響き、カラフルなストロークの表現力や質感など。

絵画には、教育的、宗教的、イデオロギー的、社会的、道徳的、教育的、美的、または哲学的な機能があり、美と完璧の法則に基づいて世界を想像的に理解する過程で創造される美的価値観の一部でもあります。

絵画は現実の広さと完全さを網羅しており、それがジャンルの豊富さに影響を与えます。

1. 肖像画（歴史的、死後（回顧）、肖像画 - 絵画、自画像、衣装の肖像画、宗教者（寄付者または後援者）など）

2. 風景は自然を主な被写体とするジャンルです。古代から存在していましたが、中世にその重要性を失い、ルネサンス期に人気を取り戻し、絵画の最も重要なジャンルの 1 つになりました。

3. マリーナ - 海の風景や海で行われる出来事を描いたジャンル。

4. 歴史絵画はルネサンスに始まった絵画のジャンルで、実際の出来事に基づいた作品だけでなく、神話、聖書、福音主義の絵画も含まれます。個々の国または人類全体にとって重要な過去の出来事を描いています。

5. 戦闘画は、戦争と敵対行為のテーマに特化したジャンルです。

6. 風俗画（「日常の風俗」）

7. 静物 - 美術における無生物の描写。

8.建築絵画 - 主なテーマは自然ではなく建築風景でした。建築構造物の画像だけでなく、インテリアの画像も含まれています。

9. 宗教画（神話画など）

10. 装飾絵画（記念碑絵画、舞台装飾絵画、装飾絵画）

絵画のテクニックと方向性:

1. アクリル絵の具。アクリル絵の具が登場したのは比較的最近で、せいぜい 20 年前です。アクリル絵の具は約 50 年前に登場し、すぐに広く知られるようになりました。これらの成功は、モダンな色その主な理由は、塗布の容易さ、多用途性、乾燥の速さです。でここ数年ますます小さく耐光性の粒子を含むアクリルエマルジョンの開発の進歩により、ますます高品質の塗料を得ることが可能になりました。

アクリル絵の具やワニスは、ガラス、木、金属、リネン、キャンバスなど、油分を含まない基材に使用できます。新しいアクリル絵の具は水で簡単に物体から取り除くことができますが、乾燥すると特別な溶剤が必要になります。

水での希釈度や使用するフィラー（ゲル、ペースト、パテ、接着剤）に応じて、完成したアクリル絵画は水彩画や油絵に似たり、美術の他の分野では得られない独自の独特の演色になったりします。

2. 水彩画は絵画技法であり、その作品は水に溶解すると顔料の軽い懸濁液を生成する特別な水彩絵の具を使用して作成されます。水彩絵の具の特性により、微妙な色の変化を伴う軽やかで風通しの良い作品が生まれます。水彩画は、色による空間の構築、トーンの豊かさ、イメージの構築における紙の使用など、絵画とグラフィックの特徴を組み合わせています。

3. グリザイユは、セピアまたはグレーの 1 色の階調グラデーションで実行される絵画技法であり、ペイントされた浅浮き彫りやその他の建築または彫刻要素を作成するための技法でもあります。グリザイユでは、主題の調子だけが考慮されます。

4. ガッシュ - 絵の具の粉、水、胡粉、接着剤から作られた不透明な水性絵の具で絵を描きます。ガッシュ絵画の基礎となるのはさまざまな表面です。木材、下塗りされたキャンバス、布地、ボール紙、合板、または紙（グラフィック画像に典型的であり、これによりガッシュはグラフィック技法として分類されます）。

5. 石膏の上に水性絵の具で絵を描く - 湿った状態（フレスコ画）と乾燥した状態（セッコ）。

6. ケイ酸塩塗料で塗装する。

7. セラミック塗料で塗装する。

8. 接着剤塗装は、接着剤をバインダーとした絵の具を使用して行われる塗装技法です。グルーペインティングでは、絵の具は不透明で緻密であり、作品の塗装表面はマットです。

9. カーネーション - 人間の皮膚、顔、体の開いた部分を描く絵画技法。

10. 釉薬、グリサールまたはグレー - ベースカラーの上に半透明の絵の具を塗布して、深い虹色の層を得る技法。

11. 油絵は、絵の具を使った絵画技法の一つです。植物油メインバインダーとして。生産用油絵具本物の顔料とケシ油、クルミを使用しますが、最も人気のあるのは亜麻仁油です。油絵の技法はさまざまで、カバーリング (不透明) またはグレージング (透明)、ボディ (厚い) または薄い、滑らかなストロークまたはレリーフ (テクスチャー) ストロークを使用できます。主に、油絵は、きれいな下塗りキャンバス上のラ・プリマ技法、または薄く塗布された色または色調の下絵によって特徴付けられます。

12. 点描または分割主義は、新印象主義絵画における文体の方向性であり、正しい形式の個別の（孤立した）ストロークによる絵画の手法に基づいています。

13. テンペラ - 乾燥粉末天然顔料および（または）それらの合成類似体に基づいて調製された塗料。テンペラ絵の具のバインダーは天然エマルジョン（卵黄全体）です。鶏卵、植物のジュース、まれに-フレスコ画のみ-油）または人工（接着剤、ポリマーの水溶液中の乾性油）。テンペラ画は技法や質感が多様で、薄層画、グレージング、厚塗り画の両方が含まれます。

14. エンカウスティックまたはワックス塗装は、バインダーがワックスである塗料を使用して塗装する技法です。作品を制作している間に絵の具が溶けていきます。エンカウスティック絵画の一種はテンペラワックス絵画です。

15. 混合テクニックとは、通常、グラフィック作品、彫刻作品、絵画作品などの美術作品を作成する際に、複数のテクノロジーまたは方法の使用を伴うテクニックです。

多くの場合、画家は主な材料に加えて、テンペラ、油彩、またはアクリル絵の具作品に取り組んでいる間、必要な効果と表現力を達成するために、彼は追加の顔料材料として他の顔料材料を使用します（異なるベースで自分で作成します）。また、作品の表面には、有機的にフィットしたり、通常の意味では特徴的ではない、必要な不協和音を生み出すさまざまな素材が含まれています。木工品（日常のもの、または作家自身がデザインして作成したもの）、素材の断片、革、細部などです。さまざまなデバイスそしてメカニズム。

装飾絵画の主な表現手段は色です。その性質により、色は感覚的な認識に影響を与え、画像の感情的な影響を高め、絵画の広範な視覚的および装飾的な品質を決定します。装飾絵画の作品では、色は統合されたシステム、つまり色を形成します。通常、1つまたは別の一連の相互に関連する色とその色合いが使用されます-配色ですが、同じ色の色合いを使用した絵画-モノクロもあります。

色の構成は、色の斑点の配置と関係のシステムであり、作品に特定の色の統一性をもたらし、鑑賞者の認識の過程に影響を与え、装飾絵画の作品に特有の芸術的構造の一部です。

絵画のもう一つの表現手段である描画（線画と明暗法）は、色とともにリズミカルかつ構成的にイメージを組織します。線は互いの体積を区切るもので、多くの場合、絵画形式の構築的な基礎となり、オブジェクトの全体的または詳細な輪郭を再現し、その最小要素を明らかにすることができます。

絵画芸術作品（キャンバス、木、紙、ボール紙、合板、羊皮紙、石、石膏、その他の素材）の基礎には、原則として、事前準備、つまりプライマーが必要です。イーゼル絵画では、作品を作成するための最も一般的なタイプの土台は木とキャンバスであり、壁画では石、レンガなどでした。建設資材。完成した作品はワニスの層で外部の影響から保護されます。

絵画の視覚的および表現的品質は、顔料の粉砕の程度と絵具の性質によって決定される絵の具の特性にも大きく依存します。バインダー、アーティストが使用するツール（ブラシ、パレットナイフ）から、彼が使用する溶剤から。ベースとプライマーの滑らかなまたは粗い表面（バインダーをある程度吸収する）は、塗料を塗布する技術と絵画の質感に影響を与え、ベースまたはプライマーの半透明の色は着色に影響を与えます。場合によっては、ペイントのないベースまたはプライマーの部分が、色彩構成（主に水彩画）において特定の役割を果たすことがあります。

絵画のペイント層の表面、その質感は、光沢があるかマットであるか、連続であるか不連続であるか、滑らかであるか不均一である場合があります。必要な色または色合いは、パレット上で色を混合することとグレージングの両方によって実現されます。近くに配置されたブラシストローク異なる色一定の距離から離れると、それらが観察者の目の中で混ざり合っているように見えることがあります (点描画で使用される光学効果)。

スタイル、絵画技法の特殊性、絵画の構成、さらには意図されたインテリアが、形式 (長方形、楕円形、円形)、および絵画を環境から分離するフレームの種類に影響を与えます。そして画像自体に注意を集中させます。

「グラフィックス」という言葉は、ギリシャ語の「grapho」（私は書きます、私は描きます）に由来しています。

グラフィックスは、線、ストローク、スポット、ドット、および白と黒のコントラストに基づいたアートです。これらの手段を組み合わせることで、音色のニュアンスが生まれます。グラフィックスでは色を使用できますが、依然として色調のコントラストがグラフィックスを表現する主な手段です。描画のタスクは絵画のタスクと多くの共通点があり、それらの境界は任意です。水彩、ガッシュ、パステル、テンペラは、絵画作品とグラフィック作品の両方を作成するために使用できます。グラフィックは絵画よりもはるかに伝統的であり、象徴性と装飾的な性格を含んでいます。グラフィックの素材や手法は様々ですが、基本的には紙がベースとなります。紙の色と質感は大きな役割を果たします。グラフィックの種類によって、カラフルな素材やテクニックが決まります。

あらゆるタイプの美術品と同様、グラフィックスは次の 3 つのタイプに分類できます。

1. 記念碑的 - ポスター (記念碑的な印刷グラフィックス)、壁のグラフィックス、ボール紙など、建築アンサンブルと密接に関連しています。

2. イーゼル - 特定のインテリアとは関係なく「機械上で」実行され、作品の目的と意味は芸術的内容（描画、版画、大衆版画）によって完全に表現されます。

3. 装飾 - 書籍のイラスト、ポストカード、特別な芸術的価値を持たないが、オブジェクトの表面を整理するために使用されるオブジェクト上のグラフィック画像。装飾的なグラフィックには、木の綿毛、ストロー、その他の「生きている」素材を使用して作成された構図であるフローリストリーも含まれます。

描画は（芸術的および表現手段として）あらゆる種類の美術で使用されていますが、グラフィックスでは、描画は主要かつ定義的な原則であり、より純粋な形で使用されます。

描画とは、線、ストローク、点などのグラフィック手段を使用して手作業で作成された画像です。描画にはさまざまな種類があり、描画方法が異なります。テーマとジャンル、パフォーマンスのテクニックと性質。

「デッサンはスケッチの芸術とも呼ばれ、絵画、彫刻、建築の最高点です。絵を描くことはすべての科学の源であり根源である」とイタリアの偉大なルネサンス芸術家ミケランジェロ・ブアナローティ（1475-1564）は書きました。

描画はルネサンス期に芸術的創造性の特別な領域となりました。芸術家にとって絵を描くことは、自然とそれを平面上に描く技術を研究すること、観察、印象、思考を記録することなど、多くの目的を果たしました。この絵の起源は、動物を描いた絵が洞窟の壁に描かれた旧石器時代にあり、小石の上に下絵が描かれることもありました。石板。で古代エジプト描画芸術に関連した作品（彫刻の下絵、教育研究、絵画の下絵）もご覧いただけます。古代において、絵はこうでした。準備作業手書きの本のイラストも。そして、この絵が際立ったのはルネッサンス時代だけでした。独立した種美術。独立したイーゼル描画は、マンテーニャの作品の強さと高みに達しました。

独立した芸術形式としてのグラフィックスは、盛期ルネサンスの巨匠（イタリア - レオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、北部 - アルブレヒト・デューラー）の作品に特にはっきりと現れています。中国では、彫刻は 6 ～ 7 世紀から知られていました。 XVI-XVII世紀のフランス。鉛筆画で有名です。肖像画は特に人気があり、芸術家は鉛筆で高貴な人々を描きました。そして 19 世紀から 20 世紀の変わり目に、芸術システムに変化が起こり、ついにグラフィックが芸術形式として登場しました。

グラフィックスの重要な特徴は、関連性、複製、および多数の画像におけるアイデアの一貫した開示です。これらの性質は、プロパガンダ、風刺、政治的なグラフィックに広く使用され、その急速な発展は、主要な歴史的出来事（特に 20 世紀、革命、内戦、 2番世界大戦）。 20世紀にはグラフィックスは、多くの聴衆にアピールする、社会的に重要な民主的芸術として発展しています。

描画テクニック:

1. ペン - 液体の色素（インク、ビストル、セピア、インク）を使用して描画するためのツール。鳥の羽（ガチョウ、白鳥、孔雀、カラス、ヤマシギ、シギなど）は古くから使用されており、線の太さを緩やかに変更したり、陰影の付け方を変えることが可能でした。古代および中世東部では、柔軟でプラスチックの線、エネルギッシュなストロークを生み出すリードペン (カラム) が使用されていました。 19世紀以来金属ペン先が一般的で、細くて均一な線が得られます。ペン描画 (ウォッシュやシェーディングと組み合わせられることがよくあります) は、特に自発的かつ衝動的です。

2. 石炭は、さまざまな種類の木から焼かれた、さまざまなサイズの棒の形の描画用の材料です。さまざまな種類の木の小枝を束ねて土鍋にしっかりと閉じ、オーブンに入れ、完全に焦げるまで（非常に黒い色になるまで）一晩放置します。

3. サングインは、主にカオリンと酸化鉄から棒状に作られた描画材料です。サンギンの色の範囲は、茶色から赤に近いものまであります。そのおかげで、ヌードの色合いがよく伝わります。人体, そのため、sanguine によって作成されたポートレートは非常に自然に見えます。作業中に、サンギンを湿らせることができ、それによってストロークの厚さと密度を多様化できます。 Sanguine を紙の上で脱脂綿でこすると、より薄く透明な層が得られます。 Sanguine は、「グリザイユ」技法 (同じ色の異なる色合いで作業する) に適しています。サンギンを使って人生から絵を描く手法は、ルネサンス時代から知られていました（レオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエロ）。この当時、ヨーロッパでは鉱物由来の天然サングイン（「赤チョーク」）が使用されていました。現代の楽観主義は人工的なものです。

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これは現代で求められている現象であり、絵画は慎重に構築されたインテリアの有機的な部分としてアプリオリに認識され、作成されます。同時に、特定の空間に雰囲気やオリジナリティを生み出すためにデザインされた絵画は、理想的には高品質である必要があります。芸術作品。この技術におけるセマンティクスは必須の属性ではなく、美的で実用的な目標を達成するための性質が重要です。これらの作品では、アーティストが最新の素材を積極的かつ自由に使用し、見る人に最大限の美的影響を与えることを保証しています。キャンバスの局部的および背景に金めっきや銀めっきを施し、作品に質感を与え、ボリュームを生み出すためにさまざまなテクスチャーのペーストを使用しています。内装のテーマ塗装は多岐にわたります。おそらく、静物、風景、ヌードが依然として主要なジャンルです。抽象絵画は、住宅、オフィス、公共スペースのインテリアを完璧に引き立てます。インテリア絵画の主な特徴は、その社交性、見る人を喜ばせたいという願望における複合体の欠如、デザインの新しいトレンドを感じて反応する能力です。優れた室内塗装には、技術を熟知していることと、現代のさまざまな素材に関する優れた知識が必要な基準となります。このアートは一度限りの衝撃を与えるためにデザインされたものではなく、独創性と斬新さが歓迎されます。他の形式の絵画と同様に、マスターの認識と独創性がここでも非常に重要です。この方向で活動している特徴的なアーティストの1人は、 ニクリン・アンドレイ・ヴァレリエヴィッチ。彼の好きな絵画のテーマは花です。この作者のいくつかの作品を紹介します。

「タンゴのリズムで」80x80; HM

「ネイティブ」100x130; HM

「あなたが近くにいるとき」80x100; HM

「タルコフスキーに捧げる」90x90; HM

「予期せぬ喜び」90x90; HM

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絵画は、太古の昔から私たちに伝わってきた芸術の方向性です。最初の人は洞窟を岩絵で飾ろうとしました。

それは常に存在し、発展し、改善され、新しいスタイルと方向性が現れました。絵画は常にインテリアを飾るために使用されてきました。何世紀にもわたって、芸術的な壁画はその関連性を失っていません。

内部の絵画の助けを借りて、特定のスタイルの表現力が強化され、強調されました。また、家具の製造、壁や天井の装飾、家庭用品の装飾にも使用されていました。人の精神生活の発達におけるその役割を過大評価することは困難です。

絵画の最も明るい代表と種類の1つはフレスコ画です。

からの翻訳イタリア語「フレスコ」という言葉は新鮮という意味です。フレスコ画は、湿った石膏に描かれた芸術的な絵画であり、最も古い壁画技法の 1 つです。フレスコ画が出現した正確な日付を特定できる人は誰もいません。

前に今日ルネサンス様式の寺院が保存されており、その壁はミケランジェロ、ラファエロ、天才レオナルドダヴィンチなどの偉大な芸術家によって装飾されています。キリスト教美術において、フレスコ画は石造りの寺院の内壁だけでなく、宮殿や城を飾る最も人気のある方法の 1 つでした。

現代のフレスコ画の制作は環境に基づいていますきれいな素材。現在、フレスコ画はさまざまなキャンバスの形で制作されており、どのようなベースにも簡単に貼り付けることができます。

ベースは古代の壁を模倣することができ、その場合、マスターは小さな亀裂でそれを覆います。ひび割れ効果と手作りの仕上げにより、どんなイメージも芸術作品となり、インテリアに古さの感覚を与えます。

すべての作品は、個々の注文に応じてマスターアーティストによって手作業で演奏されます。フレスコ画は、さまざまなサイズ、耐久性があり、水を恐れません。

タペストリー

タペストリー愛好家は常にたくさんいます。タペストリーは、特定の芸術的な構成を備えた壁に取り付けられた糸くずの出ないカーペットでした。一つの城も一つの宮殿も、これらの贅沢品なしでは成り立ちません。原則として、彼らは壁と床を飾りました。

タペストリーは単純な職人の手によって作られましたが、本物の芸術作品でした。本当のマスターには常に注文があり、彼らが言うように、大きな需要がありました。

現在、タペストリー工芸はカントリーハウスや大規模な高級アパートの所有者の間で成功しています。そして、これはまったく驚くべきことではありません。なぜなら、個々の小さなものがインテリアに特別性を加えるからです。現在、タペストリーは手作りだけでなく、特別なデジタル機器を使用して作られており、真の傑作を作成することができます。機械で作られたタペストリーは、21 世紀の芸術作品と言えます。

伝統的なデッサン画と現代のコンピュータグラフィックスを具現化し、芸術的な絵画の真の息吹をテキスタイルに伝えることができます。

絵画

絵画作品は常にインテリアに敬意を与えてきました。絵画は家に調和と美しさを加え、ユニークさと個性を与えます。

絵画、版画、カーペット、写真、その他の芸術作品を上手に配置し、センス良く選択すれば、家を変えるのに役立ち、居心地の良いオリジナルなものにし、どんなスタイルにも特別なタッチを加えることができます。絵画はインテリアデザインを完成させるのに役立ちます。家の中にある絵画の存在は、所有者の芸術的センス、彼の好み、そして彼の幸福について語ります。絵画は、さまざまなスタイル、色、トレンドの伝統的なインテリア装飾の 1 つと考えることができます。絵画の助けを借りて、部屋に視覚的なボリュームを追加したり、コントラストを高めたり、優雅さと柔らかさを加えたりすることができます。

空間を芸術的に構成すると、家に快適でリラックスできる雰囲気を与えることができます。絵画はその美的価値、人気、高貴な美しさを決して失うことはありません。